Barok

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Tuingevel van het paleis van Versailles en waterparterre
Gezicht op het Canal Grande in Venetië met twee paleizen van Baldassare Longhena : rechts vooraan het Palazzo Giustinian Lolin (uit 1623), verder terug op de overkant de grote Ca 'Pesaro (1652–1710)
De fontein van de vier rivieren voor de gevel van de kerk van Sant 'Agnese in Agone , Piazza Navona , Rome

Een tijdperk in de Europese kunstgeschiedenis dat begon aan het einde van de 16e eeuw [1] en duurde tot ca. 1760/70 wordt aangeduid als barok ( mannelijk “de barok”, of gelijkwaardig onzijdig “de barok”). Dit is geen volledig uniform stijlconcept omdat er soms tegelijkertijd binnen de barok zeer verschillende artistieke vormen en onderstromen waren en een ontwikkeling [2] , niet in de laatste plaats, grote verschillen in verschillende regio's en landen. [3] Een grove onderverdeling in drie of vier deeltijdperken is gebruikelijk, maar het tijdsbestek kan niet duidelijk worden aangegeven: vroegbarok (tot ca. 1650), hoogbarok (ca. 1650-1700), laatbarok (ca. 1700–1730) [4] en Rococo (ca. 1730–1760/70). Af en toe worden laatbarok en rococo gelijkgesteld, anderzijds wordt rococo ook als een zelfstandig tijdperk gezien.

De tijdperken van renaissance en maniërisme gingen vooraf aan de barok, gevolgd door het classicisme .

Italië was de pionier en belangrijkste exponent van de barok, van waaruit het zich in een vaak gewijzigde vorm over heel Europa verspreidde. De kunst van de barok is expressief, ontroerend en emotioneel, en vooral in architectuur en interieurdecoratie wordt ze vaak gekenmerkt door een weelderige vertoon van pracht. Het werd onder meer beïnvloed door de politieke en religieuze idealen van de Contrareformatie en het ' absolutisme '. Het is niet correct om het gelijk te stellen aan de regeringsvorm van het absolutisme, onder meer omdat er in de periode ook andere regeringsvormen waren, b.v. B. Aristocratische republieken in Venetië en Genua , een constitutionele monarchie in Engeland . In Frankrijk van Lodewijk XIV - de belangrijkste exponent van het absolutisme - was er ook een meer gematigde stijlvariant, die bekend staat als classicistische barok ( classicisme ). [5]

In bredere zin, vooral met betrekking tot het belang van de barokliteratuur en -filosofie , kan de barok worden opgevat als een tijdperk van de Europese intellectuele geschiedenis[6] [7] , en in de breedste zin wordt er soms naar verwezen als een "tijdperk". van de barok".

Oorsprong en betekenis van het woord

In het Duits zegt men zowel de barok als de barok , met ongeveer dezelfde frequentie. De genitief van de barok is wijdverbreid onder leken, maar in de Duden wordt erop gewezen dat in gespecialiseerde kringen, vooral in de kunstgeschiedenis , de verbuigingsuitgang -s wordt weggelaten, b.v. B. in de uitdrukking "Tuinen van de Barok".

Taalkundig gezien was er eerst het adjectief barok (in het Duits rond 1750), daarna het zelfstandig naamwoord barok (in de 19e eeuw). Het woord komt uit een theorie die vandaag algemeen wordt aanvaard in de Portugese taal , waarin onregelmatig gevormde parels werden aangeduid als barroco , wat "krom" of "ongelijk" betekent. [8] Deze term zou sinds 1581 worden gebruikt als uitdrukking van de taal van de juwelier. Volgens Benedetto Croce werd een absurde syllogistische figuur van de scholastiek ook zo genoemd, [9] en in Italië zou de term zijn gebruikt voor frauduleuze transacties en woeker. [10] Af en toe werd de term ook teruggevoerd op de namen van twee belangrijke kunstenaars die een belangrijke rol speelden in de vroege ontwikkeling van de barok: de schilder Federigo Barocci en de Romeinse barokke architect Giacomo Barozzi , bekend als Vignola. [11] De term werd voor het eerst gebruikt als een categorie om de werken van de 17e-eeuwse Italiaanse architectuur te beschrijven.

Het bijvoeglijk naamwoord vond zijn weg naar het Duits via Italiaans ( barokko ) en Frans ( barok , voor het eerst gedocumenteerd in 1701 in de zin van "bizar"). [12] In Frankrijk werd de term voor het eerst denigrerend gebruikt in de zin van "vreemd" voor kunstvormen die niet overeenkwamen met de eenvoudigere smaak van het classicisme onder Lodewijk XIV. Een essentieel ontwerpelement van de barok en rococo zijn stucwerk (zie ook stukadoor ) en houtsnijwerk , die vaak werden gevormd tot rijke en gebogen sierjuwelen.

Sinds 1855 werd de term door Jacob Burckhardt gebruikt - aanvankelijk in zijn werk Cicerone met een denigrerende, later met een vriendelijk-neutrale betekenis. De term werd vervolgens overgebracht naar de muziek en literatuur van die tijd en wordt tegenwoordig gebruikt als een algemene historische term voor een tijdperk [13] dat ook buiten het gebied van de kunst gaat. De betekenisverruiming is ook te herkennen aan het feit dat het woord barok kan verwijzen naar heel verschillende verschijningsvormen van de baroktijd, bijvoorbeeld naar barokke ornamenten, barokke landschapsarchitectuur of de barokke levenshouding. Andere auteurs zoals Friedrich Nietzsche of Arnold Hauser hebben geprobeerd het als stijlbegrip vruchtbaar te maken.

In de moderne tijd, die een heel andere esthetiek ontwikkelde, deels in volledige eenvoud, rechte lijnen, grijs beton en volledige asymmetrie, wordt de term barok soms negatief gebruikt en gelijkgesteld met overbelaste pracht of onterecht met “ kitsch ”.

karakteriseren

Karlsruhe stadsgezicht uit 1721

Kenmerkend voor de barok is de neiging om de grenzen tussen de afzonderlijke kunstgenres als architectuur, beeldhouwkunst en schilderkunst te vervagen. Een voorbeeld hiervan is het Paleis van Versailles , waar het park met zijn fonteinen, zijn kanaal, zijn bosquets en bloemperken onlosmakelijk verbonden zijn met het totale kunstwerk en het paleis verbinden met de omringende natuur - een voorbeeld voor heel Europa. De barokstijl vervangt de kunst van de Renaissance, die gericht was op eenheid en rust. Enerzijds nam hij hun heldere structuur en klassieke vormelementen zoals zuilen , pilasters , hoofdgestel enz. over, maar presenteerde hij ze vaak overdreven of onder het mom van uitbundige of speelse decors. Verdere aspecten waren een streven naar rijkdom en beweging in expressie, met een gelijktijdige voorkeur voor symmetrie .

Het is de tijd van de Contrareformatie , de toename van de macht en de toenemende onafhankelijkheid van de vorsten, van het absolutisme . Voor de Rooms-Katholieke Kerk was het belangrijk om de gelovigen vast te houden of terug te winnen; met behulp van architectuur, kunst en muziek zou het gevoel nu moeten worden aangesproken (in tegenstelling tot het meer rationele karakter van Renaissance en maniërisme), de inhoud van de christelijke religie ook voor eenvoudige mensen wordt direct op een aansprekende manier gepresenteerd en stimuleert zo mededogen . Dit leidde soms tot mooie neigingen, zoals een voorkeur voor engeltjes en putti . De barokkunsten moeten ook verbazingwekkend en overweldigend zijn; hun onderwerp is het wonderbaarlijke , het sprookjesachtige , het theatrale en het sensationele, zij het op een minder kunstmatige, verknipte manier dan in het maniërisme. Het vertoon van pracht en praal speelde - vooral in Italië - al een grote rol, maar de agitatie en glinsterende pracht van de barok dienen als uiting van bedwelming en extase .

De kunstvorm die perfect de tijdsgeest en tijdsbesef van de barok weerspiegelde en tegelijkertijd meerdere kunsten tegelijk combineerde, was de opera , die rond 1600 in Italië ontstond, met muziek, zang , poëzie , schilderkunst , (pseudo) architectuur en die van de tijd nieuwe en verrassende effecten van het podium machines , die ook kan onder meer vuurwerk en water kunst , samen een geheel vormen.

Het grootste deel van de kerkbarokke kunst is te vinden in de katholieke gebieden van Europa, maar ook in Zuid- en Midden-Amerika . Ook de heersende vorsten maakten gebruik van de barokkunst, maar hier vooral om hun rijkdom en macht te tonen. Ze probeerden elkaar te overtreffen in het vertoon van pracht. Versailles , het prachtige paleis van Lodewijk XIV , werd het model voor een groot aantal paleisgebouwen, waarvan het belang vaak werd onderstreept door de geometrisch ontworpen tuinen en stedelijke gebieden (bijv. Mannheim , Karlsruhe ).

Terwijl de laatgotiek en de renaissance tegenover elkaar staan, groeiden de kenmerken van de barok slechts geleidelijk uit de renaissance en het maniërisme. Deze tijdperken zijn niet vreemd aan elkaar, maar verwant. Ook in de barok bleef de Grieks-Romeinse oudheid met zijn vormen en mythologie een belangrijk model. Aangezien het baroktijdperk bijna tweehonderd jaar besloeg en verschillende stromingen naast elkaar bestonden, is het nauwelijks mogelijk om een ​​algemeen kenmerk te vinden dat voor alle werken geldt.

De laatbarokke fase van de kunstgeschiedenis, de rococo (ca. 1725–1770), wordt vaak een eigen stijl genoemd, die wordt gekenmerkt door een grotere lichtheid. Terwijl symmetrie typisch is in de barok, wordt asymmetrie steeds meer benadrukt in de rococo, vooral in de details van de decoratie.

Het is ook kenmerkend voor de barokperiode dat artistieke activiteit nog meer dan in de renaissance wordt begrepen als een op regels gebaseerde, soms zelfs mechanische activiteit. Dat geldt niet alleen voor de architectuur en de inrichting van stedelijke ruimten, maar ook voor literatuur en muziek. Talloze artistieke sets van regels en "gebruiksaanwijzingen" voor de productie van kunstwerken werden gecreëerd, die vaak in een fabriek werden vervaardigd, zoals het voorbeeld van honderdduizenden Spaanse barokdrama's laat zien. In 1624 schreef Martin Opitz het boek van de Duitse Poëzie, de eerste Duitstalige regelpoëtica met regels voor op regels gebaseerde poëzie voor bijna alle genres. In Frankrijk bepaalde de Académie Française de normen van het reguliere drama , die Gottsched volgde. In de muziek zijn de notatiesystemen geperfectioneerd om de reproduceerbaarheid en precisie van het spelen in steeds grotere ensembles te vergroten, al sluit dit improvisatie niet uit. [14]

Aan de andere kant cultiveerde de barok vooral de sensuele geneugten. Leibniz rechtvaardigt in zijn werk On Wisdom de sensuele waarneming waardoor de waarheid kan worden ervaren, en staat zo een opvatting van schoonheid toe als 'gevoelde waarheid' - niet langer alleen als een imitatie van de natuur. [15] Giambattista Vico's herwaardering van de verbeelding laat ook vormen van zelfexpressie een zelfstandige rol spelen naast de wetenschap. Kunst dient dus de communicatie tussen mensen en met God, niet langer alleen de meest getrouwe weerspiegeling van de natuur.

Beeldende Kunsten

architectuur

Gebogen muur van het Palazzo Carignano in Turijn

De barokke kunst vond een van haar sterkste uitingen in de architectuur . Alle strikte orden van de Renaissance worden geleidelijk opgeheven; Zwaaiende, holle en bolle vormen, koepels, kolommengroepen, gevels en raamkronen met rijke ornamentele decoraties wekken de indruk van kracht en beweging bij de toeschouwer en zorgen voor een toename van alle effecten. De individuele vormen zijn ondergeschikt aan het totale kunstwerk, er wordt gebruik gemaakt van lichteffecten en ook schilderkunst , beeldhouwkunst en kunststof worden in het architectonisch kader opgenomen. Kenmerkend voor het barokke kerkgebouw is onder meer een symbolische, mystificerende verlichting. Het gewenste effect hangt nauw samen met de wens van de Contrareformatie om mensen door middel van structurele indrukken te overtuigen van de heerlijkheid van God en de katholieke kerk.

Oorsprong in Italië

Il Ges, Rome (1568-1584)

Gebaseerd op de werken van de late renaissance en het maniërisme , ontwikkelde de nieuwe bouwstijl zich voor het eerst in Italië . In Rome creëerde Giacomo Barozzi da Vignola (1507-1573) al in de late 16e eeuw het belangrijkste type barokke kerk met zijn kerk Il Gesù , een gewelfd langwerpig gebouw. Het hier ontworpen ruimtelijke principe (fusie van het lange gebouw en de centrale koepelovergang) is een van de belangrijkste kenmerken van de barokke architectuur, samen met de kolossale orde ( conservatorspaleis ) die door Michelangelo is ontwikkeld. Met de substantiële deelname van de architecten Gian Lorenzo Bernini (1598-1680) en Francesco Borromini (1599-1667), die gespecialiseerd waren in gebogen gevels, werden alleen al in Rome tijdens de barok meer dan 50 andere kerken, pleinen en fonteinen gebouwd. Herontworpen stadsbeeld . De Sint-Pieterskerk werd na voltooiing een grote realisatie van het barokke ideaal. Guarino Guarini (1624-1683) en Filippo Juvarra (1678-1736) werkten voornamelijk in Turijn, terwijl de beroemdste architect in Venetië Baldassare Longhena (1598-1682) was, de maker van de kerk van Santa Maria della Salute en verschillende paleizen.

Verspreiding in Europa

In Frankrijk kreeg de barokstijl een meer gematigd en rationeel karakter, de classicistische barok genoemd ; Italiaanse uitbundigheid was vreemd aan de Fransen, en de vormen van de Lodewijk XIV- stijl worden als "klassiek" ( classique ) beschouwd. De Engelse en Nederlandse architectuur van die tijd vertoonde ook strengere vormen, bijvoorbeeld in de architectuur van het Palladianisme en een Inigo Jones , Pieter Post of Jacob van Campen , die leidden tot het vroege classicisme .

Na de onrust van de Dertigjarige Oorlog begon de bouwactiviteit in de Duitstalige gebieden van het Heilige Roomse Rijk . Als gevolg hiervan werden in veel steden en op het platteland prachtige barokke kerken, kastelen en adellijke huizen gebouwd - vooral in het zuiden, maar ook in kleinere aantallen in het noorden. Volgens Wilfried Koch wordt de barok in Duitsland en Oostenrijk gekenmerkt door vier kenmerken: ten eerste de grove indeling in het noorden, die wordt gevormd door de Franse barok en protestantse cultuur, en in het zuiden, die wordt gevormd door de Italiaanse barok en katholieke cultuur; ten tweede de ernstige versnippering van het Heilige Roomse Rijk in honderden gebieden, waaronder katholieken in het noorden en protestanten in het zuiden; ten derde, de veranderende politieke allianties en artistieke voorkeuren van de vorsten ; en ten vierde, de weinige speciale vormen van Duitse barok. [16] Twee bekende voorbeelden van deze bijzondere vormen zijn de Frederician Rococo onder koning Friedrich II in Pruisen en de Theresiaanse stijl onder keizerin Maria Theresa in Oostenrijk. Het onderscheid tussen de Noord-Duitse barok en de Zuid-Duitse barok komt ook vaak voor in de handleidingen van de Duitse kunstmonumenten van Georg Dehio en Ernst Gall .

De grote bouwmeesters Johann Bernhard Fischer von Erlach (1656-1723), die de Karlskirche en het Schönbrunn-paleis in Wenen creëerden, Lucas von Hildebrandt (1668-1645), architect van de Boven-Belvedere , Johann Dientzenhofer (1665-1726) werkte in het zuiden Duitsland en Oostenrijk en zijn broers ( Fulda-kathedraal , Banz-klooster , kasteel Pommersfelden, enz.), Johann Balthasar Neumann (1687-1753), die voor vijf Schönborn-bisschoppen werkte, en Dominikus Zimmermann (1685-1766), meester van de Wieskirche . De stukadoors van de Wessobrunn-school waren belangrijk voor het ontwerp, de bekendste kunstenaars zijn Johann Baptist en Dominikus Zimmermann of de maker van de " honingliefhebber ", de beeldhouwer en stukadoor Joseph Anton Feuchtmayer . In München werd de Theatinerkirche St. Kajetan ten noorden van de Alpen gebouwd als de eerste kerk gebouwd in de stijl van de Italiaanse hoogbarok, en Nymphenburg en Schleissheim werden gebouwd als electorale landpaleizen . Beroemde barokklooster en bedevaartskerken zijn Banz-klooster en de Vierzehnheiligen-basiliek , de Birnau-bedevaartkerk , Ottobeuren-klooster en de Wieskirche, in Oostenrijk inclusief het Melk-klooster , in Zwitserland zijn oude kloosters barok geweest, zoals het St. Gallen- klooster, Einsiedeln- klooster en klooster Disentis . Het woonpaleis Ludwigsburg werd gebouwd in Württemberg en het paleis Karlsruhe in Baden. De prins-bisschoppen van de familie Schönborn waren belangrijke opdrachtgevers van de Frankische barok, waaronder de Würzburg Residence , de New Residence in Bamberg , de Pommersfelden , Werneck en Bruchsal kastelen en talrijke kerken.

In Noord-Duitsland en Pruisen bereikte de Dresden-barok , bemiddeld via Wenen en Praag ( Boheemse barok ), een climax met de Zwinger van Matthäus Daniel Pöppelmann (1662–1736) onder August the Strong . Zacharias Longuelune introduceerde vanaf 1713 de Franse klassieke barok in Dresden en Johann Christoph Knöffel richtte op basis hiervan de Saksische Rococo op. De Saksische barok wordt gekenmerkt als feestelijk en vrolijk, nobel en gematigd, waarin katholiek-contrareformatie en noords-protestantse tendensen samenvloeien. Het straalde verder uit naar Polen en Brandenburg; in Berlijn creëerde Andreas Schlüter (1660-1714), die in Warschau had gestudeerd, het Berlijnse stadspaleis en Jean de Bodt , die later in Dresden werkte, de wapenkamer . De Frederician Rococo van de Pruisische koning Friedrich II ( Sanssouci , Potsdam City Palace , New Palace , Staatsopera Unter den Linden ) werd gevormd door Dresden modellen en vaak ook ambachtslieden, en Boheems-Oostenrijkse modellen stroomden ook Silezië binnen. In de regio Thüringer, vooral in Weimar, zette Gottfried Heinrich Krohne (1703–1756) de toon in de barok en de late barok met gebouwen zoals het stadspaleis van Eisenach . In Noord-Duitsland was de Grote Tuin van Herrenhausen in Hannover een ideaal type baroktuin , en met dehoofdkerk Sankt Michaelis in Hamburg de belangrijkste protestantse barokkerk - naast de Frauenkirche van Dresden . Friedrich Seltendorff (1700-1778) was een architect van de Leipzigse barok.

stilistische ontwikkeling

Barokke kunst ontwikkelde zich vanuit Italië in heel Europa en werd naar de koloniën van de Nieuwe Wereld gebracht . Studeren in Italië was de norm voor bijna elke grote bouwmeester uit deze tijd. Barokke architecten reisden vaak door Europa en brachten hun ideeën en suggesties mee. Zijn opdrachten brachten Filippo Juvarra van Milaan naar Madrid en Andreas Schlueter reisde naar Italië en werkte vervolgens in Pruisen en Rusland .

In tegenstelling tot de Renaissance, die in Noord-Europa gedeeltelijk met geheel andere stijlmiddelen werd geïnterpreteerd dan in Italië (vgl. bijvoorbeeld Noordse Renaissance ), werd nu een stijl ontwikkeld die relatief veel leek op het model, maar artistiek herhaaldelijk werd gewijzigd. Daarbij kwamen heel eigen stilistische richtingen van de barok tot uiting in verschillende regio's van Europa, die niet in de laatste plaats tot stand kwamen door de vermenging van Italiaanse en Franse elementen. Deze stijlvarianten kunnen bij benadering, maar niet volledig, worden onderverdeeld in een katholieke, meer Italiaans-beïnvloede Zuid-Europese barok en een protestants-beïnvloede Noord-Europese barok van wat rationelere vormen.

Frankrijk was het eerste land dat de nieuwe stromingen overnam, maar de levendige Romeinse stijl werd hier strikter doorgevoerd, in de zin van een specifiek Franse 'klassieker'. Ook Engeland nam de nieuwe kunstrichting over, de overgang van het palladianisme naar de barok en het daaropvolgende classicisme verliep hier echter vloeiend en grotendeels zonder de speelse bouwvormen die typerend waren voor de Habsburgse landen. De serieuze uitdrukking van de in Frankrijk en Engeland heersende stijl wordt daarom classicistische barok genoemd . Voorbeelden zijn de oostgevel van het Louvre , de tuingevel van het paleis van Versailles , de Invalides in Parijs of de Londense St Paul's Cathedral .

In Spanje en zijn koloniën werd de sobere stijl van de Renaissance, het maniërisme en een desornamentado gevolgd door een bijzonder weelderige, ongebreidelde barok, die bekend staat als churriguerisme en die voornamelijk werd gebruikt in heilige gebouwen. Hier werden hele muren opgelost in een golvende zee van ornamenten, meestal gemaakt van stucwerk . Het bekendste voorbeeld is de gevel van de kathedraal van Santiago de Compostela of, op het gebied van interieurdecoratie, het Charterhouse van Granada . Ook typisch voor de Spaanse en vooral de Portugese barok zijn altaren die uit hout zijn gesneden en verguld - dit soort decoratie wordt in het Portugees Talha dourada genoemd . Daar werd het vaak gecombineerd met tegels (zogenaamde azulejos ). Gebouwen in de vorm van de Spaanse en Portugese barok werden ook gebouwd in Latijns-Amerika , waaronder Ouro Preto in Brazilië .

In het katholieke zuiden van Duitsland en in de Habsburgse landen als Oostenrijk en Bohemen, werd de barok aanvankelijk vrijwel onveranderd door Italië overgenomen en ontwikkelde zich daarna tot zijn eigen elegante en levendige variant, zoals bijvoorbeeld te vinden is in het Belvedere in Wenen. Paleis of Abdij van Melk zijn. Ook de Saksische keurvorsten in en rond Dresden ( Zwinger , Slot Moritzburg, Slot Pillnitz, etc.) ontwikkelden een rijke en fantasierijke bouwactiviteit. De Europese barokstijl kwam pas naar Rusland onder Peter de Grote en kreeg in de late Rococo-fase een tendens naar monumentale grootsheid en praal, met gedurfde kleuraccenten en weelderige sieraden zoals in het Peterhofpaleis en het Petersburgse Winterpaleis .

In het protestantse Noord-Europa daarentegen werd een meer sobere weg ingeslagen, zoals het Stockholmpaleis illustreert.

Architecten en hun gebouwen (selectie)

Innendekoration und Möbelkunst

Raumtypen

In Frankreich bildete sich die Raumfolge eines Appartements heraus mit typischerweise ein bis zwei Vorzimmern ( antichambre ), dem Audienzraum oder (Parade-)Schlafzimmer ( chambre ), und einem (oder mehreren) Kabinett (en). Diese wurde allgemein in ganz Europa übernommen. Bei großen Schlössern, und bis zu einem gewissen Grade auch bei barocken Stiften, kamen besondere repräsentative Räume und Salons hinzu, die häufig nach dem Prinzip der Enfilade aneinandergereiht waren. Zu den wichtigsten offiziellen Räumen gehörten das Treppenhaus und ein großer Ball- oder Festsaal , manchmal auch eine (oder mehrere) Galerie(n) . Die Galerie war grundsätzlich ein Verbindungsgang, wo jedoch häufig ganze Kunstsammlungen präsentiert wurden, vor allem Gemälde und Skulpturen. Nach dem Vorbild von Versailles entstanden zuweilen auch anderswo Spiegelgalerien oder Spiegelkabinette. Aus dem italienischen Schlossbau stammte die sogenannte Sala terrena – ein ebenerdiger Saal, der im Parterre, meist im Zentrum des Gebäudes auf der Gartenseite liegt und als Übergang zum Garten gedacht ist. Er wurde oft als Grottensaal mit einer Dekoration aus Muscheln und kleinen Steinchen gestaltet und war vor allem für den Sommer gedacht. Vor allem in barocken oder barockisierten Kloster- und Stiftsanlagen entstanden außerdem große und prächtige Bibliotheksräume (siehe auch: Klosterbibliothek und Stiftsbibliothek ).

Dekor

Typisch neapolitanischer Barockdekor aus polychromem Marmor von Fra' Bonaventura Presti (1664–67) am Fußboden der Certosa di San Martino , Neapel

In der Innendekoration von Kirchen und offiziellen Prunkräumen waren farbige Marmor sorten und andere dekorative Gesteine wie Porphyr und Granit beliebt, aus denen man vor allem in Italien und im frühen Louis-Quatorze in Frankreich vielfarbige Dekorationen an Wänden und Fußböden schuf. Besonders virtuos in dieser Hinsicht waren die polychromen Marmordekorationen im neapolitanischen Barock, der ua von Cosimo Fanzago geprägt wurde. Teilweise und vor allem im Spätbarock, und hier wiederum besonders in Deutschland und Österreich, wurde auch Kunstmarmor verwendet, mit dem man noch ausgefallenere Farbwirkungen erzielen konnte, die mit echtem Marmor nicht möglich wären, z. B. auch Blau- oder Türkistöne. Beispiele dafür sind die Kirche und Bibliothek von Stift Altenburg oder das überaus bunte Treppenhaus von Schloss Augustusburg in Brühl , eine der Hauptschöpfungen von Balthasar Neumann (1740–46).

Im profanen Bereich, dh in den Wohnräumen von Schlössern oder Palais' wurden auch Holzvertäfelungen mit Schnitzereien verwendet (sogenannte Boiserien ). Diese waren im Frühbarock, aber auch später noch in Italien meistens mehrfarbig und mit verschiedenen Ornamenten, Maskarons , Arabesken oder Grotesken bemalt. Ab Ende des 17. Jahrhunderts unter Ludwig XIV. wechselte der Stil und die Boiserien wurden dann meistens in Weiß und Gold gehalten. Vor allem außerhalb Frankreichs wurde statt Gold manchmal auch Silber (z. B. Amalienburg ) oder eine farbige Fassung gewählt. In England blieben die traditionellen naturbelassenen (also nicht farbig lackierten) Vertäfelungen aus Eiche oder Nussbaum weiterhin modern, wodurch englische Wohnräume des Barock eine gewisse Schwere haben, aber auch dem Klima angemessen warm wirken. Naturbelassene Holzvertäfelungen gab es manchmal auch in anderen europäischen Ländern, diese waren dann aber häufig aus kostbaren Hölzern wie Rosenholz , z. B. in einigen 'chinesischen' oder ostasiatischen Räumen in den Schlössern Schönbrunn oder Hetzendorf bei Wien.

Decken waren oft mit Gemälden oder Fresken dekoriert, die anfangs von reichen Verzierungen aus Stuck oder Schnitzereien umrahmt waren, später wurden die Deckengemälde größer und bedeckten dann das gesamte Gewölbe, die inneren Rahmungen fielen dann weg. In Wohnräumen wie in Kirchen war auch Illusionsmalerei , z. T. mit Scheinarchitektur üblich. Führend in der Decken- und Dekorationsmalerei war Italien (siehe unten Malerei). Wenn eine Decke kein Gemälde bekam, wurde sie meistens mit Stuck verziert, was besonders außerhalb Italiens und im Wohnbereich vorkam. Die Stuckdekoration war im 17. Jahrhundert vor allem in Italien und den davon beeinflussten Ländern oft sehr plastisch, im Spätbarock wurde sie feiner und eleganter, wenn auch immer noch häufig überschwänglich (Rokoko).

Die Fußböden in Südeuropa wurden traditionell mit Marmor oder mit Keramikfliesen belegt, Marmor wurde auch gerne in Prunkräumen Nordeuropas verwendet. In den Wohnräumen französischer und nordeuropäischer Palais dagegen hatten die Böden meistens Parkett , das zuweilen auch mithilfe verschiedenfarbiger Hölzer zu virtuosen Mustern gelegt wurde, besonders in kleinen Kabinetten (z. B. Spiegelkabinett in Pommersfelden ). Im Bemühen um größeren Wohnkomfort wurden nun nicht nur Tapisserien an den Wänden, sondern auch auf den Böden verwendet, die ua in französischen Manufakturen hergestellt wurden ( Aubusson , Gobelin ).

Bemalte und vergoldete Ledertapete, Schloss Rosenholm , Dänemark

Neben die traditionellen Wandteppiche traten immer mehr Wandbespannungen aus Stoffen wie Samt oder Seide . Seide war vor allem im Rokoko beliebt. Auch farblich tendierte man von kräftigeren Farben im eigentlichen Barock (ua Rot) zu helleren und leichteren, manchmal pastellenen Tönen im Spätbarock und Rokoko. Eine wärmedämmende und sehr kostbare Alternative waren auch Ledertapeten , die mit Mustern gestanzt, farbig gefasst und mit Blattgold oder Silber verziert wurden – von dieser Art Dekoration hat sich nur sehr wenig erhalten (ua in der Moritzburg und im Palazzo Chigi in Ariccia ).

Barockes Mobiliar

Zu französischen Stilen barocker Möbelkunst siehe:

Die Möbelkunst des Barock stellt sich aufgrund des sehr langen Zeitraums von mindestens 150 Jahren als sehr vielfältig dar. Es gibt auch erhebliche Unterschiede in den verschiedenen Ländern, obwohl es auch einen bedeutenden Austausch von Künstlern zwischen den Ländern gab. Im Frühbarock lösten sich die Formen langsam von der vorhergehenden Epoche des Spätmanierismus, der teilweise noch Jahrzehnte nachwirkte, besonders in Randgebieten wie der iberischen Halbinsel oder in Nordeuropa.

Beliebt waren reichverzierte Möbel mit Marketerie aus verschiedensten Hölzern und kostbaren Materialien wie Schildpatt , Elfenbein oder Perlmutt und mit vergoldeten und 'verschnörkelten' Beschlägen aus Messing oder Bronze . Besonders zur Geltung kamen diese Materialien durch den Kontrast zu schwarzem Ebenholz , das normalerweise nur als Furnier verwendet und nicht selten auch durch künstliche Schwärzung preiwerterer Hölzer imitiert wurde. In Frankreich entwickelte André-Charles Boulle (1642–1732) die besonders elegante Boulle-Technik .
In Italien wurden vor allem Pietra-dura -Arbeiten aus wertvollen Marmor und Halbedelsteinen hergestellt, die man ua für Tischplatten oder zur Verzierung von Kabinettschränken verwendete, und die in ganz Europa geschätzt wurden. Zentren der Pietra dura-Kunst waren Florenz und Neapel .

Beine von Stühlen, Tischen oder Gestellen waren oft gedrechselt oder reichgeschnitzt, dabei blieben die Grundformen der Möbel jedoch während des gesamten 17. Jahrhunderts noch einfach und gradlinig. Erst im Spätbarock und noch mehr im Rokoko treten neben reichen Ornamentschmuck auch überall geschwungene Grundlinien. Neben einfachen Stühlen aus Holz und Flechtwerk gab es solche mit Bezügen und Polsterungen aus Leder , Tapisserien oder Samt , im 18. Jahrhundert auch zunehmend aus Seide .
Im gesamten 17. Jahrhundert liebte man Kabinettschränke , die in Spanien vargueño hießen, in England chest of drawers . Sie waren besonders reich und kostbar ausgestattet, waren häufig selber ein Kunstwerk, und standen meistens auf einem Gestell. Gegen Ende des 17. Jahrhunderts, durch den Einfluss der Möbelkultur am französischen Hof, wurde die Kommode immer beliebter.

Paradebett mit Tapisserien im Merkursalon von Versailles

Betten hatten häufig einen Himmel und Vorhänge, die man zuziehen konnte. Überhaupt wurde das Bett und das Schlafzimmer besonders in Frankreich zu einem Zentrum der vornehmen Welt: Salondamen (die sogenannten Preziösen ) und Aristokraten empfingen ihre Gäste nicht selten auf dem Bett liegend oder im Prunkschlafzimmer. In Palais' und Schlössern stand das Bett häufig in einem Alkoven und war von einer Balustrade abgeschirmt.

Allein in Frankreich werden vier verschiedene Epochen nach der Regierung der jeweiligen Könige unterschieden: Louis-treize , Louis-quatorze , Régence und die Spätphase des Louis-quinze (= Rokoko, ab ca. 1730). Wegen des beinahe mystischen Rufs von Schloss Versailles und Ludwig XIV. als Sonnenkönig, aber auch wegen ihrer großen Eleganz und hohen Qualität, wurde die französische Möbelkunst ab dem Ende des 17. Jahrhunderts führend (siehe Louis-quatorze ). Auch in Deutschland und den Niederlanden gab es hervorragende Ebenisten , die zu den besten ihrer Zunft gehörten, aber auch oft im Ausland wirkten. Besonders ab der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts wanderten viele Künstler nach Paris aus, wurden dort eingebürgert und trugen zur hohen Qualität und berühmten Eleganz der französischen Möbelkunst bei, zum Teil übernahmen die folgenden Generationen die Werkstatt des Vaters. Bekannte Beispiele sind die Familie Oppenordt mit Alexandre-Jean Oppenordt (1639 Provinz Gelderland – 1715 Paris) und seinem Sohn Gilles, die ebenfalls holländischstämmige Familie Boulle mit André-Charles Boulle (1642–1732) und seinen Söhnen, oder die drei Bernard Vanriesamburghs.

Der italienische Stil von Möbeln und Innendekoration war wesentlich überschwänglicher und geschwungener in den Formen als die 'klassische' französische Kunst und entsprach damit in besonderer Weise dem Ideal des Barock. Abgesehen von Frankreich, wo man selbst in der Spätphase des Rokoko einem maßvolleren bon gôut huldigte, wirkten die besonders fantasievollen Formen des italienischen Barock jedoch inspirierend auf andere europäische Länder, insbesondere in Österreich und Deutschland, und dort besonders im Süden und in Sachsen. Aus Italien kamen außerdem diverse Luxusgüter wie Samt und Brokat -Stoffe, die für Möbel und Wandbespannungen verwendet wurden, sowie venezianische Lüster und Spiegel . Die letzteren bekamen allerdings durch Frankreich Konkurrenz, von wo auch die nun modernen Kristallleuchter und Gobelins exportiert wurden.

Eine bedeutende Rolle spielte fast in der gesamten Epoche die Freude an Fayencen und Porzellan , die sowohl aus China und Japan exportiert, als auch in Europa hergestellt wurden, besonders in Holland ( Delft ), Spanien und Portugal , und später auch in Deutschland ( Meißen ua). Es wurde nicht nur in Form von Vasen oder anderen Gefäßen geschätzt, sondern auch als Kachel - oder Azulejo -Dekoration an den Wänden. Eine enge Verbindung besteht dabei zur Mode der Chinoiserie .


Gartenbau

Seit der Zeit der Renaissance war der fürstliche Garten sowohl ein Ort von Erholung und Vergnügen als auch der Repräsentation. Gartenkunst stand im Spannungsfeld von Geometrie und Planung einerseits, von höfischer Lustbarkeit andererseits. Die ästhetische Gestaltung und Formung der umgebenden Natur gehörte unmittelbar und untrennbar zum Schlossbau dazu und bildete mit dem Bauwerk eine Einheit, sie leitete auf raffinierte Weise über zur eigentlichen unberührten Natur.

Als Begründer des französischen Gartenstils – und damit des Barockgartens – gilt André Le Nôtre (1613–1700). Der Park von Versailles mit seinen Wasserspielen , Blumenparterres und Boskette n wurde aus einem ursprünglich scheinbar völlig ungeeigneten sumpfigen Gelände geformt. Riesige Erdmassen mussten ausgehoben und verschoben werden, um Terrassen zu gestalten, große Mengen Wasser für die Brunnen herbeigeleitet werden. Le Nôtre nutzte in bis dahin nie gesehener Weise auch die neuen wissenschaftlichen Erkenntnisse von Optik und Perspektive für die Gartengestaltung. Auch die Allgegenwart der antiken Mythologie gehörte zur Atmosphäre des Parks. Dies Alles demonstrierte auch die Macht des Sonnenkönigs über die Natur, und der Park galt seinerzeit als Wunder der Technik und der Schönheit. In der Nachfolge der Gartenanlagen in Vaux-le-Vicomte , Versailles und Marly entstanden zahlreiche entsprechende Anlagen in Europa, z. B. der Schlosspark Nymphenburg , der Park von Schloss Augustusburg bei Brühl , der Barockgarten Delitzsch oder derGroße Garten in Hannover . Zu den bedeutendsten Schülern Le Nôtres gehörte Dominique Girard .

Skulptur

Skulptur und Plastik gehören im Barock wesentlich zur Ausstattung eines Bauwerks oder einer Parkanlage – als Fortsetzung der Architektur mit anderen Mitteln oder, soweit es frei stehende Figuren sind, indem sie durch Gebärdensprache und Bewegungstendenzen in den Raum einbezogen sind. Der Bewegungsreichtum und das vorausberechnete Spiel von Licht und Schatten geben den Bildwerken ihre verblüffende Lebendigkeit und Ausdrucksstärke. In Italien war es wiederum Bernini , der die Barockbildnerei zur allerhöchsten Entfaltung brachte. Und auch Alessandro Algardi (1598–1654) und Ercole Ferrata (1610–1686). Die französischen Hauptmeister François Girardon (1628–1715), Antoine Coysevox (1640–1720), Jean-Baptiste Tuby (1635–1700) und die Gebrüder Gaspard (ca. 1624–1681) und Balthazar Marsy (1628–1674) sind vor allem durch ein ganzes Skulpturenvolk von klassisch-edler Eleganz in Schloss und Park von Versailles bekannt, wirkten jedoch auch darüber hinaus an anderen Orten und für Kirchen. Wesentliche Beiträge in Deutschland leisteten Georg Petel (1601–1634), Balthasar Permoser (1651–1732), Andreas Schlüter (1659–1714), Egid Quirin Asam (1692–1750), Ignaz Günther (1725–1775) und in Österreich Georg Raphael Donner (1693–1741). In Böhmen Ferdinand Maximilian Brokoff (1688–1731) und Matthias Bernhard Braun (1684–1738). In Spanien Gregorio Fernández (1576–1636), Juan Martínez Montañés (1568–1649) und Pedro de Mena y Medrano (1628–1688). Und Aleijadinho (1738–1814) in Brasilien.

Malerei

Andrea Pozzo : Glorie des Hl. Ignazius , Deckenfresko in Sant'Ignazio , Rom, 1685–94

In Form von Wand- und Deckengemälden wurde die Malerei als Gesamtkunstwerk in die Architektur einbezogen. Neben den Wand- und Deckenmalereien fand auch weiterhin die Tafelmalerei Praxis.

Durch perspektivische Verkürzungen erreichte man außerordentliche Tiefenwirkungen und weitete auf diese Weise die Räume illusionistisch aus. Ein bewegungsreicher Figurenstil, kontraststarke Farben und die Betonung von Licht und Schatten sind für die Malerei des Barock kennzeichnend. Die Malweise findet sich auch in Theaterdekorationen wieder. Hauptthemen waren die Darstellung des Göttlichen und Profanen (Weltlichen), Historienbilder und die Mythen der Antike.

In der Malerei des Barock gingen die Anregungen von Italien aus. Die Gebrüder Agostino (1557–1602) und Annibale Carracci (1560–1609), Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571–1610) und Guido Reni (1575–1642) legten die Grundlagen der Barockmalerei. Auch waren die Italiener führend in der Kunst der Fresken- und Deckenmalerei, wo ua Giovanni Lanfranco (1582–1647), Pietro da Cortona (1596–1669), Luca Giordano (1634–1705), Andrea Pozzo (1642–1709), Giovanni Battista Piazzetta (1682–1754) und der auch in Deutschland wirkende Giovanni Battista Tiepolo (1696–1770) zu den Hauptmeistern gehören.

Mehrere bedeutende französische Maler wirkten im Frühbarock in Italien, wie Nicolas Poussin (1594–1665) und Claude Lorrain (1600–1682), für Ludwig XIV. war später eine ganze Schar von Künstlern um Charles Le Brun in Versailles tätig. Deutschland war nicht eigentlich ein Land der Maler, trotzdem gab es einige bedeutende Künstler: Im Übergang vom Manierismus zum Barock Adam Elsheimer (1578–1610), und im Spätbarock Cosmas Damian Asam (1686–1739), Johannes Zick (1702–1762) und dessen Sohn Januarius (1730–1797), Joseph Wannenmacher (1722–1780) und in Tirol Stephan Kessler (1622–1700).

Die spanische Malerei erlebte im 17. Jahrhundert ein goldenes Zeitalter ( siglo de oro ) mit Jusepe de Ribera (1591–1652), der eigentlich in Neapel lebte und auch die dortige Malerei beeinflusste, und mit Diego Velázquez (1599–1660) und Bartolomé Esteban Murillo (1618–1682) als den bedeutendsten Vertretern; daneben schufen zahlreiche andere Künstler ebenfalls bedeutende Werke.

Ähnliches gilt für die niederländische Malerei des Frühbarock, deren wichtigste Vertreter im katholischen flämischen Raum Peter Paul Rubens (1577–1640) und Anthonis Van Dyck (1599–1641) waren, und im protestantischen Holland Rembrandt (1606–1669) und Vermeer (1632–1675). Im Goldenen Zeitalter der Niederlande um 1650 produzierten etwa 700 Maler jährlich etwa 70.000 Gemälde, und zwar im Unterschied zu Italien und Spanien für ein zunehmend bürgerliches Publikum und zu einem großen Teil mit ganz anderen Themen, wie Stillleben , Landschaften und Genremalerei .

Musik

Judith Leyster : Das Konzert , 1631–33, National Museum of Women in the Arts , Washington
Bühnenbild von Ludovico Burnacini aus Cestis Oper Il Pomo D'Oro , Wien 1668, Metropolitan Museum , New York

Einordnung

Zeitlich wird die Barockmusik meist in die allgemeinen Kunstepochen des Barock eingeordnet. Für die musikalische Epoche wurden zunächst die Schaffenszeit Monteverdis am Anfang des 17. Jahrhunderts als Beginn sowie der Tod Johann Sebastian Bachs 1750 als Ende angesehen. Die Musik des Barock folgte demnach auf die Renaissance und wurde von der Klassik abgelöst. Der Frühbarock stand stark unter italienischen Einflüssen, im Hochbarock tritt daneben die französische Musik. In diesen Phasen sind größere regionale Unterschiede in der zeitlichen Abfolge der Entwicklung erkennbar. So dominierte in Frankreich die Tanzbegeisterung am Hof Ludwigs XIV. die Musik, in Italien die Liebe zu Gesang und Oper und zu virtuoser Violinmusik, während Deutschland besonders durch das Wirken einiger bedeutender Organisten und Kirchenmusiker geprägt war. Die verschiedenen Stile der Länder näherten sich dann im Spätbarock immer weiter aneinander an.

Merkmale

Die Musik des Barock trägt die gleichen Züge, die alle Lebensbereiche des Zeitalters kennzeichnen. Mit den modernen Tonarten Dur und Moll , aus den zahlreichen Kirchentonarten erwachsen, schuf sie sich die Möglichkeit, Gegensätze und Spannungen auszudrücken. Nicht mehr das in sich beruhigte Beieinander, sondern das Gegeneinander leidenschaftlicher Bewegtheit und aus diesem sich erhebend der Gewinn der höheren Einheit wurde zum Ziel der musikalischen Entwicklung. Dies erklärt die Hinwendung zum monodischen Stil, instrumental begleiteten Einzelgesang im Gegensatz zur chorischen Polyphonie .

Zugleich entstand eine ganz neue Art des Hörens. Nur die obere ( Diskant ) und die untere Stimme ( Bass ) wurden notiert, während die ganze Fülle der Mittelstimmen der Improvisation, das heißt dem Umspielen der Melodie, überlassen blieb. Diese Art des Musizierens wird als Generalbassspiel bezeichnet, weshalb man die Musik des Barock vielfach auch die des Generalbass-Zeitalters nennt. Die dafür verwendeten Instrumente waren Cembalo , Laute oder Theorbe , aber auch Fagott und Cello . Weitere wichtige Musikinstrumente im Barock sind die Orgel und barocke Versionen der noch heute bekannten Streich- und Holzblasinstrumente. Diese klangen leiser und weicher als die heutigen Formen und entsprachen damit dem vorherrschenden Ideal möglichst ähnlich der menschlichen Stimme zu klingen.

Typische Formen der Barockmusik sind die Oper , die Kantate , das Oratorium , die Fuge , die Suite , die Sonate . Zum Wesen der Barockmusik gehört, dass sie Einzelteile zu einem größeren Ganzen vereinigt. So werden Tänze zu Suiten ( französisch suite , „Folge“) zusammengefasst, Lieder und Chöre zu Kantaten ( italienisch cantata , „Singstück“). Am großartigsten verwirklichte sich das Zusammenspiel der Künste in der Oper mit ihrer Einheit aus Wort, Musik, Handlung und Bühnenbild.

Musiktheoretisch ist das Zeitalter ua durch den Versuch gekennzeichnet, eine Affektenlehre in Analogie zur Rhetorik auszuarbeiten; ob diese musikpraktische Umsetzung fand, ist freilich umstritten.

Wichtige Barockkomponisten

Die Musik des Barock erhielt wie alle anderen Künste entscheidende Impulse aus Italien, wo vor allem die Erfindung der Oper und des Ziergesangs , sowie die Ausprägung einer virtuosen und solistischen Instrumentalmusik weitreichende Folgen hatten und sich nach und nach über (fast) ganz Europa ausbreiteten. Die einflussreichsten und bedeutendsten Opernkomponisten des Frühbarock waren Claudio Monteverdi (1567–1643), der auch als Kirchenkomponist unübertreffliche Werke schuf, und der Venezianer Cavalli (1602–1676). Der Römer Giacomo Carissimi (1605–1674) übertrug die Merkmale der Oper in die sakrale Form des Oratoriums . Von da führt die Entwicklung über Komponisten wie Alessandro Stradella (1643–1682), Alessandro Scarlatti (1660–1725) und Giovanni Bononcini (1670–1747) bis zu den Komponisten der neapolitanischen Schule im Spätbarock, zu denen auch der frühverstorbene Giovanni Battista Pergolesi (1710–1736) gehörte. In der Instrumentalmusik übten insbesondere die Tastenvirtuosen Girolamo Frescobaldi (1583–1643) und Domenico Scarlatti (1685–1757), und die Instrumentalkonzerte und Sonaten von Violinvirtuosen wie Arcangelo Corelli (1653–1713) und Antonio Vivaldi (1678–1741) einen starken Einfluss aus, auch auf deutsche Komponisten wie Händel und Bach.

In Deutschland beginnt die Zeit des Frühbarock mit Michael Praetorius (1571–1621), Johann Hermann Schein (1586–1630), Samuel Scheidt (1587–1654) und Heinrich Schütz (1585–1672). Von ihnen und dem Niederländer Jan Pieterszoon Sweelinck (1562–1621), dem bereits genannten Italiener Frescobaldi, dem Nürnberger Johann Pachelbel (1653–1706) empfing die Orgel kunst gewaltige Antriebe. Als größter Orgelmeister vor Johann Sebastian Bach gilt dessen Lehrer, der in Lübeck tätige Dietrich Buxtehude (1637–1707).

Englands größtes Musikgenie des Barockzeitalters, in allen Gattungen der Musik, war Henry Purcell (1659–1695).
Die Musik in Frankreich nahm, vielleicht mehr noch als andere Kunstgattungen, eine völlig eigene Entwicklung, sowohl auf dem Gebiet der Oper, von Jean-Baptiste Lully (1632–1687) bis zu Jean-Philippe Rameau (1683–1764), als auch in der Kirchenmusik mit Marc-Antoine Charpentier (1644–1704) und André Campra (1660–1740) als Hauptexponenten. Auf dem Gebiet der Instrumentalmusik stechen sowohl die sogenannten ' Clavecinisten ' mit François Couperin (1668–1733) als größtem und originellstem Vertreter hervor, daneben die Gambenmusik von Marin Marais (1656–1728) und Antoine Forqueray (1672–1745), und im Spätbarock schließlich italienisch beeinflusste Meister wie Rameau, Boismortier (1689–1755) und der Violinist Jean-Marie Leclair (1698–1764).

Ihren krönenden Abschluss findet die Barockmusik nach allgemeiner Ansicht mit Johann Sebastian Bach (1685–1750) und Georg Friedrich Händel (1685–1759). In ihren Persönlichkeiten laufen alle musikalischen Bestrebungen der Zeit zusammen und gewinnen höchst persönlichen Ausdruck. Im Umkreis von Bach und Händel stehen Meister wie Georg Philipp Telemann (1681–1767) in Hamburg und Johann Adolph Hasse (1699–1783) in Dresden. Einige der Bach-Söhne und viele andere gehören schon nicht mehr unmittelbar dem Barock an, sondern bilden den Übergang des sogenannten galanten und empfindsamen Stils zur Klassik Haydns und Mozarts .

Theater

Die Truppe von Molière , 1670

Das Theater entwickelt sich im Barocken Zeitalter und wird eine Multimediaerfahrung, mit dem gegenwärtigen architektonischen Raum anfangend. Während dieses Zeitalters wurden viele Theatermittel, die wir bis heute im gegenwärtigen Broadway oder kommerziellen Spielen sehen, erfunden und entwickelt. Die Bühne verwandelt sich von einem romantischen Garten in das Interieur eines Palasts innerhalb von Sekunden. Der sichtbare Bühnenraum wird durch einen Rahmen eingeschränkt, der den Zuschauern erlaubt, nur eine spezifische Handlung zu sehen und ganz in die Illusion einzutauchen. Diese Illusionswirkung unterstützend verbirgt der Rahmen auch größtenteils die Maschinerie und Technologie. Diese Technologie beeinflusst den Inhalt der erzählten oder aufgeführten Stücke. Zum Beispiel für die in vielen Stücken praktizierte Konfliktlösung durch den Deus ex Machina. Götter waren im Stande – wörtlich – vom Himmel herunterzukommen und den Helden aus seiner gefährlichen, sogar absurden Situation zu retten. Die Vorstellung von der Welt als Theaterbühne Theatrum mundi entstand im Barock.

In Italien entstandene Form des Theaters wird Commedia all'improvviso , Commedia a soggetto (Theater, bei dem der Text je nach Thema, das heißt einem Szenenbild oder «Entwurf», improvisiert wird) oder Commedia di zanni genannt. Die Commedia dell'arte bezeichnet zunächst ein Theater mit Berufsschauspielern und dann in weiterem Sinne eine Form des Schauspiels, dessen Repertoire (das nicht nur die improvisierte Komödie, sondern auch die Novelle , die Komödie , das Schäferspiel , die Tragikomödie , die klassische und literarische Tragödie und die Oper abdeckt) auf einer großen Anzahl von Entwürfen beruht, die von festen Personen interpretiert werden, die größtenteils Masken tragen. Die Commedia entfaltet sich von Mitte des 16. Jahrhunderts bis Ende des 18. Jahrhunderts. Die ersten Gruppen von Berufsschauspielern tauchen in Italien ab 1545 auf. Bis dahin wurden die Theateraufführungen im Rahmen von höfischen oder religiösen Feierlichkeiten veranstaltet, deren zufällige Darsteller zum Personal der Höfe oder zum Klerus gehörten.

Festkultur des Barock

Allegorische Festlichkeiten zum Empfang der Königin Christine von Schweden im Palazzo Barberini in Rom, 28. Februar 1656
Festdekoration von Ludovico Burnacini für eine nächtliche Opernaufführung unter freiem Himmel und bei Fackelschein am Wiener Kaiserhof 1699 ( L'Euleo festeggiante nel ritorno d'Alessandro dall'India ). Rechts und links sitzen die Musiker von zwei Orchestern

Die großen Feste in der Zeit des Barock dienten meistens nicht nur dem Vergnügen, sondern vor allem auch der Repräsentation . [17] Die barocke Festkultur entstand jedoch nicht aus dem Nichts, sondern ihre Wurzeln lagen in der italienischen Renaissance , insbesondere in den trionfi genannten Festumzugen. [18] Durch spektakuläre und sorgfältig inszenierte Prachtentfaltung (wie schon bei den Schlossbauten) versuchten die Fürsten ein glanzvolles Image nach außen zu projizieren und ihr Ansehen zu steigern – nicht selten mit Erfolg. Allein die Teilnahme an den eleganten und abgezirkelten, auf Zehenspitzen getanzten barocken Tänzen bei einem 'einfachen' Hofball erforderte längeres Training mit einem Tanzmeister , um überhaupt die erforderliche Eleganz und Kraft zu erreichen. Ähnliches gilt erst recht für andere Inszenierungen, an denen der halbe Hof in allegorischen oder mythologischen Gewändern teilnahm, und wo auch Gesang und Textvortrag eine Rolle spielte, wie sie beispielsweise für die französischen Ballets de cour oder die englischen Masques notwendig waren.

Anlässe für größere Festlichkeiten boten – abgesehen von so außergewöhnlichen Ereignissen wie Thronbesteigungen – fürstliche Hochzeiten, die oft tagelang zelebriert wurden; Geburten von fürstlichen Kindern (besonders Thronfolgern ) oder das (möglichst erfolgreiche) Ende eines Krieges. Es fanden dann nicht nur Hofbälle und Galadiners statt, sondern auch besonders prächtige Aufführungen von eigens für den Anlass komponierten Opern und von Komödien oder Schauspielen ; daneben gab es öffentliche Feuerwerke und Salutschüsse . In Wien waren auch Rossballette sehr beliebt (siehe unten), in kühlen Gegenden wie Russland festliche Schlittenfahrten . Gerade bei den genannten Anlässen wurde das Volk meistens miteinbezogen, z. B. wenn aus öffentlichen Brunnen statt Wasser Wein strömte oder es sonst gratis zu essen oder zu trinken gab. Im Falle von Fürstenhochzeiten wurde die meist aus dem Ausland stammende Braut oft schon auf ihrer Reise mit festlichen Einzügen und Empfängen in den am Wege liegenden Orten geehrt, wie z. B. 1613 Elisabeth Stuart anlässlich ihrer Hochzeit mit Kurfürst Friedrich V. von der Pfalz (der spätere „Winterkönig“). [19] Dazu wurden genau wie zu den Theateraufführungen von Architekten und Malern oft große und wirkungsvolle Festdekorationen geschaffen, die sehr kunstvoll, aber im Grunde nur Theaterkulissen waren. [20] Meistens war ein großer Teil der Festivitäten mythologisch oder allegorisch verbrämt, und alles lief nach einem genauen Zeremoniell ab. [21] Natürlich gab es auch Feste, die der Adel unter sich feierte. Auch der Tod bedeutender Fürsten oder Persönlichkeiten wurde besonders ehrenvoll begangen, wozu man ebenfalls manchmal große Festdekorationen für die Kirche schuf, wo der Verstorbene aufgebahrt lag. Von einigen besonders großartigen Festen wurden später Kupferstichserien angefertigt, um den repräsentativen Effekt auch im Ausland zu erhöhen. [22]

Ludwig XIV. als Sonnengott Apoll im Ballet de la nuit , 1653

Einige legendäre Feste fanden am Hof Ludwig XIV. statt, der seinen Spitznamen "der Sonnenkönig" deswegen trug, weil er schon als 14-Jähriger in einem Ballet de cour im Kostüm des Sonnengottes Apollo tanzte und auch später noch oft als Tänzer auftrat. Ein berühmtes Fest mit ungutem Ausgang gab der Finanzminister Nicolas Fouquet für den König am 17. August 1661 auf Schloss Vaux-le-Vicomte ; dem König war diese Demonstration von Luxus ein bisschen zu schön, und da Fouquet Steuern hinterzogen und dem König auch sonst ins Gehege zu kommen drohte, [23] wurde er nur kurze Zeit später verhaftet. Der mythische Ruf Ludwigs als Sonnenkönig und seines märchenhaften Schlosses Versailles wurde einige Jahre danach durch einige große Feste gefördert: Das berühmteste sind die sieben Tage währenden "Freuden der verzauberten Insel" ( Les Plaisirs de l'île enchantée ) im Mai 1664. [24] Es gab ua ein Ringelstechen und Ballet de cour, die musikalische Untermalung lag in den Händen von Jean-Baptiste Lully , und es wurden mehrere Stücke von Molière aufgeführt: La Princesse d'Elide , Die Lästigen und Tartuffe . [25] Ein zeitgenössischer Zeitungsschreiber berichtet, wie zum Abschluss des ersten Festtages Lully "an der Spitze einer großen Truppe Konzertierender ... mit kleinen Schritten im Rhythmus ihrer Instrumente" [26] erschien:

„...und zu gleicher Zeit sah man aus der Allee zur Rechten die vier Jahreszeiten hervortreten: den Frühling auf einem spanischen Ross, den Sommer auf einem Elefanten, den Herbst auf einem Kamel und den Winter auf einem Bären. Die Jahreszeiten waren begleitet von zwölf Gärtnern, zwölf Schnittern, zwölf Winzern und zwölf Greisen. Sie stellten die Verschiedenheiten ihrer Jahreszeiten durch Blumen, Ähren, Früchte und Eis dar und trugen auf ihren Köpfen die Schalen mit dem Imbiss... Die Contrôleurs de la Maison du Roi ...(in allegorischen Kostümen; Anm. d. Verf.) ließen ... einen großen halbkreisförmigen Tisch aufstellen, der mit Girlanden und einer Unzahl von Blumen geschmückt war...“

Carpentier de Marigny [27]

Ähnlich märchenhaft war das Grand divertissement de Versailles im Juli 1668 anlässlich des Aachener Friedens . Die Musik war wieder von Lully, der auch ein Ballett "Triumph des Bacchus" beisteuerte; [28] diesmal wurde Molières George Dandin uraufgeführt; [29] zum Abschluss großes Feuerwerk im Park von Versailles, bei dem "das Schloss wahrhaftig wie der Palast der Sonne" erschien. [30]

Johannes Thomas: Kaiserin Margarita Teresa im allegorischen Festgewand , 1667

Soviel prunkende Zurschaustellung löste eine Art Wettstreit aus und der Kaiserhof in Wien antwortete 1666 bis 1668 mit den bis zum heutigen Tage berühmten Hochzeitsfeierlichkeiten für Leopold I. und Margarita Teresa von Spanien , insbesondere mit einem gigantischen Rossballett "La contesa dell'aria e dell'aqua" [31] auf dem Hof der Wiener Burg am 24. Januar 1667, [32] an dem 1700 Personen und 600 Pferde teilnahmen, alle in prunkenden (und teilweise kiloschweren !) Kostümen mit federbesetztem Kopfputz; auch Leopold selber ritt auf einem tanzenden Pferd zur Musik von Johann Heinrich Schmelzer , die von 100 Instrumentalisten an mehreren Stellen des Burghofs gespielt wurde. [33] Besonders berühmt ist die durch Kupferstiche dokumentierte Aufführung der Festoper Il Pomo d'Oro von Antonio Cesti mit Dekorationen von Ludovico Burnacini – da man für die spektakulären Inszenierungen aber erst ein eigenes Theater auf dem Burgplatz bauen musste, verzögerte sich die Aufführung bis zum 13. und 14. Juli 1668 (Margaritas Geburtstag). [34] Sie soll angeblich 9 Stunden gedauert haben, wurde mehrfach wiederholt und auch "das Volck" soll sich das Spektakel "in unglaubiger Menge" angesehen haben. [35]

Jenseits besonderer Anlässe erlebte auch der Karneval von Venedig seine höchste Blüte im 17. und 18. Jahrhundert und zog zahlreiche wohlhabende Touristen, auch aus der Aristokratie, an. Dabei reihten sich monatelang ein ridotto und eine Opernaufführung an die andere. Wegen der allgemein üblichen Maskierung war ein gewisser Grad an Incognito möglich und es ging weniger zeremoniell zu als bei offiziellen höfischen Festen – die Sitten waren jedoch so locker, dass auch die Ansteckungsgefahr für Geschlechtskrankheiten erhöht war (Beispiel: Georg Wilhelm von Braunschweig-Lüneburg , der seinem Bruder Ernst August in einem berühmten "Brauttausch" seine eigene Verlobte Sophie von Hannover überließ, weil er sich in Venedig (vermutlich mit der Syphilis ) infiziert hatte) [36] . Auch außerhalb der Karnevalssaison war Venedig für andere Feste bekannt, die regelmäßig zelebriert wurden, wie die Hochzeit des Dogen mit dem Meer mit dem Bucintoro an Christi Himmelfahrt oder das Fest der Madonna della Salute . Auch Empfänge von ausländischen Botschaftern wurden in Venedig oft prunkvoll mit offiziellen Regattas und anderen Feiern begangen, zogen viele Schaulustige an und wurden (genau wie der Bucintoro) nicht zuletzt auch von Vedute nmalern wie Luca Carlevarijs und Canaletto gemalt. Ihre Bilder künden noch heute vom schillernden Glanz Venedigs in der Barockzeit.

Zeithainer Riesenstollen mit Backofen

Für seinen glanzvollen Hof und seine prächtigen Feste war auch August der Starke von Sachsen berühmt: Zu den bekanntesten Ereignissen zählt die 1719 gefeierte Hochzeit seines Sohnes und Thronfolgers mit der Tochter des Kaisers , dabei beging man ua im holländischen Palais die "Sieben Planeten-Lustbarkeiten" in mythologischer Verkleidung. [37] Augusts Zeithainer Lustlager im Jahr 1730 war eines der berühmtesten Barockfeste seiner Zeit, das „Spektakel des Jahrhunderts“, welches wegen seiner Pracht und Üppigkeit bis heute Inbegriff barocker Lebensart ist. Es war zugleich eine organisatorische Meisterleistung, die europaweit für Aufsehen sorgte. Beispielsweise errichtete der Erbauer des Dresdner Zwingers , Matthäus Daniel Pöppelmann , den Backofen für den sieben Meter langen Riesenstollen. Der Architekt Joachim Daniel von Jauch , dem unter anderem die Organisation der zahllosen Feste und Illuminationen des polnischen Hofes oblag, organisierte das fünfstündige Feuerwerk auf der Elbe, bei dem 18.000 Baumstämme verbraucht wurden.

Manche Feste des Barock leben nicht nur in Kupferstichen und Bildern fort, sondern auch in der für sie komponierten Musik. Zu den berühmtesten gehören einige Ereignisse in England, für die Georg Friedrich Händel die Festmusiken beisteuerte. Gemeint sind ein (oder mehrere) königliche(s) Fest(e) auf der Themse , bei denen seine berühmte Wassermusik erklang (vermutlich 1717, 1719 und 1736), [38] und die im April 1749 stattfindenden Feierlichkeiten anlässlich des Aachener Friedens , für die Händel seine Feuerwerksmusik schrieb. Schon die Generalprobe in Vauxhall Gardens zog 12000 Zuschauer an, die stundenlang den Londoner Verkehr blockierten, beim eigentlichen Feuerwerk im Green Park brannte jedoch ein Pavillon der hölzernen Dekoration ab und der Bühnenbildner Servadoni griff in einem Nervenanfall den Aufseher "mit blankem Degen" an. [39]

Literatur des Barock

Die kunstgeschichtliche Stilbezeichnung Barock wurde auf die Literatur des 17. Jahrhunderts übertragen, also den Zeitraum zwischen Renaissance und Aufklärung . Es war in Deutschland die Zeit des Dreißigjährigen Krieges mit ihren Spannungen zwischen Lebensgier und Todesbangen, die Zeit des beginnenden Absolutismus mit ihrem Widerstreit zwischen bürgerlichem Standesbewusstsein und höfischer Kultur. Die Gespaltenheit des Lebensgefühls fand ihren Niederschlag in der deutschen Barock-Literatur: Die Gegensätzlichkeit zwischen Stil und Stoff führte oft zu schwülstiger und gespreizter Darstellungsweise und erweckt den Eindruck des Unharmonischen. Aus der Bedrohung seines seelischen und leiblichen Daseins suchte der Dichter nach eigenen Wegen, doch zeigt sich überall eine starke Abhängigkeit von den Strömungen der zeitgenössischen Literatur anderer Länder.

Höchste Vollendung erreichte die Barockliteratur in den Werken der Spanier Miguel de Cervantes (1547–1616), Lope de Vega (1562–1635) und Pedro Calderón de la Barca (1600–1681), während in Frankreich bereits die strengen klassischen Formen eines Pierre Corneille (1606–1684), Jean Racine (1639–1699) und Molière (1622–1673) herrschten. Die einflussreichsten Beiträge zur europäischen Barockliteratur lieferte der spanische Gongorismus , der italienische Marinismus und auch der englische Euphuismus , alles Schwulststile , die ihre Namen dem spanischen Dichter Luis de Góngora (1561–1627), dem Italiener Giambattista Marino (1569–1625) und dem Roman „Euphues“ des Engländers John Lyly (1554–1606) verdanken.

In Weiterbildung der spanischen Amadisromane (Titelheld von Ritter- und Abenteuerromanen) fanden in Deutschland die vielbändigen höfischen Romane des Herzogs Anton Ulrich von Braunschweig-Wolfenbüttel (1633–1714) und von Daniel Casper von Lohenstein (1635–1683) weite Verbreitung. In zeitlose Höhe aber ragt einzig Hans Jakob Christoffel von GrimmelshausensDer abenteuerliche Simplicissimus “.

In der Lyrik zeigen sich die gegensätzlichen Grundzüge des zwischen mystischer Religiosität und Lebenslust schwankenden Lebensgefühls am stärksten. Gelehrsamkeit steht neben innigem Erlebniston, zierliche Galanterie neben üppiger Phantastik bei dem tonangebenden und häufig nachgeahmten Martin Opitz (1597–1639), bei Andreas Gryphius (1616–1664), Lohenstein, Christian Hoffmann von Hoffmannswaldau (1616–1679), Paul Fleming (1609–1640), Simon Dach (1605–1659), Friedrich Spee von Langenfeld (1591–1635) und Georg Philipp Harsdörffer (1607–1658). Hierhin gehören auch die Reimsprüche von Friedrich von Logau (Pseudonym: Salomon von Golaw; 1604–1655).

Natur- und aufkommende Gesellschaftsphilosophie

Naturphilosophen und Wissenschaftler der Barockepoche wie Francis Bacon und Galileo Galilei stellten einen Gegenentwurf zur scholastischen Naturphilosophie auf und verhalfen dem Empirismus zum Durchbruch. Galileos Postulat einer heliozentrischen Welt konnte durch die Newtonschen Gesetze gestützt und neu interpretiert werden. Ihren größten Erfolg hatten die Empirizisten mit der Trennung der Wissenschaften von der Politik: Wissenschaftler hatten sich fortan nicht mehr an politischen Überlegungen oder Interventionen zu orientieren, die ihre Arbeit in den vorangegangenen Jahrhunderten behindert hatten. [40] Zur Legitimation dieser politischen Garantie wurde ein neues Menschen- und Naturbild herangezogen: Der Mensch wurde seit dem Ende des Barock als handelndes Subjekt verstanden ( Gesellschaftsvertrag ), während die Natur aus passiven und lediglich reaktiven Objekten aufgebaut sein sollte, wie es der Mechanizismus postulierte. [41] Der vormals bedeutende Gott, der Regisseur des Welttheaters, wurde der Welt entrückt und war fortan nur noch als Schöpfer, quasi als derjenige, der dem Uhrwerk der Himmelsmechanik den ersten Anstoß gegeben hat, oder in Streitfällen als Vermittler zwischen Natur und Mensch von Bedeutung. Dieser politische wie metaphysische Dualismus läutete zugleich das Ende des Barock ein: Auf gesamtweltliche Harmonie zielende Philosophien wie die von Gottfried Wilhelm Leibniz wurden zugunsten des Empirismus zurückgedrängt.[42] Die Unabhängigkeit der Wissenschaften und die gleichzeitige Ermächtigung des Volkes zur ursprünglichen Quelle aller irdischen Macht beschnitt den Machtanspruch der absolutistischen Fürsten massiv. Die Entrückung Gottes in die Ferne und die Erklärung von Religion zur Privatsache legte schließlich die Grundlage für die geistige wie materielle Säkularisation des 19. Jahrhunderts. [43]

Die auf das Zeitalter des Barock folgende geistesgeschichtliche Epoche wird im Allgemeinen als dasZeitalter der Aufklärung bezeichnet; jedoch ist zu beachten, dass die frühe Aufklärung teils schon in der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts, also in der Spätrenaissance wurzelt, während die Aufklärung etwa in Italien teils erst im späten Barockzeitalter um 1760 und in Ostmitteleuropa oder Griechenland noch später wirksam wird.

Wissenschaften und Technik

Im Barock wurden in Europa die modernen Wissenschaften geschaffen; sie organisierte sich in Gelehrtengesellschaften und Akademien . Die Entwicklung der theoretischen, zunehmend mathematisierten Mechanik und ihre Anwendung auf technische, atmosphärische, biologische, astronomische usw. Phänomene machte große Fortschritte: William Harvey entdeckte den Blutkreislauf , Galileo Galilei versuchte das Gewicht der Luft zu bestimmen, Evangelista Torricelli , Blaise Pascal und Otto von Guericke untersuchten die Effekte des Luftdrucks , Christiaan Huygens entwickelte die Pendeluhr , Isaac Newton das Gravitationsgesetz . Die Mechanik wurde damit zum dominanten Wissenschafts- und Welterklärungs- Paradigma . Sie diente auch zur Erklärung der stofflichen Feinstruktur der Welt ( Atomismus , Monadologie ). Das Modell des Uhrwerks wurde zur Deutung der Bewegungsgesetze des Universums herangezogen. [44] mechanistische Erklärungsmodelle wurden dabei mangels anderer beim damaligen Stand der Naturforschung verfügbarer Theorien stark überstrapaziert, so dass auch die hierarchische Ordnung und Politik des nach rationalem Plan gestalteten absolutistischen Staates anhand des Maschinenmodells interpretiert wurde.

Durch königlichen Erlass oder unter fürstlicher Protektion und mit Unterstützung anderer Mäzene wurden Akademien der Wissenschaften und Technik gegründet, so 1660 die britische Royal Society oder 1666 die französische Académie des sciences . Diese Akademien waren oft mit natur- und technikgeschichtlichen Sammlungen verbunden.

In der Fertigungstechnik setzte sich die mittelalterliche Spezialisierung der Gewerke und Werkzeuge unter dem Einfluss empirischer und theoretisch-mechanischer Erkenntnisse immer weiter fort, während die Antriebskräfte (Wasser- und Windkraft, tierische und menschliche Kraft) dieselben blieben, jedoch effektiviert wurden, z. B. durch Fortschritte im Bau von (hölzernen) Getrieben . Die spezialisierten Gewerke wurden in großen ( Gobelin -, Porzellan -, Kutschen- usw.) Manufakturen , Arsenalen und Werften unter zentraler, oft staatlicher Leitung zusammengefasst. Auch der europäische Bergbau, der durch den Import von Edelmetallen aus Lateinamerika in eine Krise geraten war, gelangte aufgrund des drohenden Mangels an Metall für die Münzprägung in vielen Ländern unter staatliche Regie. [45] Die Wasserbaukunst, [46] die in Schlossgärten, aber auch auf der Bühne zu Anwendung gelangte, erreichte einen Höhepunkt in den Schöpfwerken von Marly-le-Roi .

Schiffbaukunst

Modell des Hecks der schwedischen Vasa

In der Barockzeit wurden die klassischen Schiffsformen des späten Mittelalters und der Renaissance mit ihren hohen, Türmen oder Kastellen nachempfundenen Aufbauten schwungvoll umgebildet und mit teils vergoldetem Zierrat, Konsolen, gedrechselten Säulen, biblische oder mythologische Allegorien und gewaltigen Laternen versehen, worin sich Einflüsse des Jesuitenstils zeigen. Die prächtigen Heckgalerien wurden architekturähnlich ausgeformt wie etwa bei der Vasa (1628). Eine „wollüstige Linienführung“ [47] und eine langgezogene Galionsfigur unterstrichen den luxuriösen und repräsentativen Charakter der Kriegs- und Staatsschiffe absolutistisch regierter Mächte als schwimmende Paläste und zugleich einen Machtanspruch. So zeigte beispielsweise die Galion des englischen Dreideckers Sovereign of the Seas ein Reiterstandbild König Edgars , dessen Pferd sieben Könige unter den Hufen hatte. Die Funktionalität und Kriegstüchtigkeit dieser Schiffe wurden trotz ihrer gestrafften Formen durch den Zierrat sowie einen hoch liegenden Schwerpunkt beeinträchtigt.

Im Zeitalter des Rokoko und der Aufklärung wurde die Höhe der Aufbauten reduziert. Die Linienführung der Schiffe versachlichte sich und wurde funktionaler, wobei die architekturähnlichen Aufbauten rasch verschwanden.

Wagenbaukunst

Im Barock wurde erstmals in Frankreich die Carrosse entwickelt, ein Glanzstück barocker Ingenieurskunst. Carosse kommt von carrozza und carro (italienisch), was so viel heißt wie schwerer Wagen oder ins Deutsche übersetzt: Karosse .

Die große Staatskarosse in St. Petersburg

In der Entwicklung des Kutschenbaus stellt der Wagentyp Carrosse oder Karosse aus der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts eine wichtige Neuerung dar. Dieser Wagentyp entwickelte sich aus dem primitiven Kobel , dessen einfachen Kasten man verbesserte, indem man ihn mit einem festen Dach, Seitenwänden versah und ihn aufwändig kunstvoll ausschmückte. Um einen bequemen Einstieg zu gewährleisten, wurden die Türen tiefer als der Langbaum gesetzt, der auf diese Weise kaum noch erkennbar war. Am Aufbau des Fahrgestells selbst, insbesondere Langbaum und Aufhängung, wurden keine größeren Veränderungen vorgenommen. Durch den aufwändigen Prunk war die Karosse ein Staatswagen mit dem Status eines fahrenden Thrones. Dieser hing in vier Federn und besaß Vorder- und Rücksitz, sodass bis zu vier Personen darin Platz fanden. Nur besondere Pferde, die Carrossiers wurden vor diesen Wagentyp gespannt.

Ein spezieller Wagentyp war hierbei die grand carrosse , die große Prunkkarosse. Sie wurde hauptsächlich von bedeutenden Staatsoberhäuptern benutzt und diente meist als Krönungs- oder Repräsentations- und Galawagen. Heute gibt es global gesehen nur noch vier Exemplare dieses Typs. Diese Wagen sind die Stockholmer „Burmannia“ (ca. 1700–1710) in der Livrustkammer, die SondershäuserGoldene Kutsche “ (ca. 1707–1715) im Schlossmuseum Sondershausen , die Lissabonner „Coche da Cora“ (um 1715) im Museu dos coches und eine Karosse aus den Jahren 1720 und 1722, die in der Ermitage in St. Petersburg ausgestellt ist.

Die Karossen wurden in großen Manufakturen in extremer Arbeitsteilung produziert, wobei Stellmacher , Schreiner, Lackierer, Schmiede, Linierer, Vergolder, Sattler ua Berufe beteiligt waren.

Im 18. Jahrhundert verdrängte die Berline die Karosse und so verengte sich in Frankreich die Bezeichnung le carrosse zum Wort, das einen solchen prunkvollen Staatswagen bezeichnet und wurde auch ins Deutsche übernommen.

Mode

Anthonis van Dyck : Porträt der Marie-Louise de Tassis, Öl auf Leinwand, um 1630

Die Entwicklung historischer Epochen lässt sich sehr gut an der Bekleidungs- und Frisurenmode ablesen – so auch die verschiedenen Zeitströmungen des Barock. In anderen Bereichen der Kulturgeschichte vollzogen sich Änderungen meist allmählich. In der Mode dagegen schlugen Wechsel immer wieder spontan und plötzlich durch, meist angeregt durch berühmte Persönlichkeiten. Die Mode des Barock wurde hauptsächlich von den großen europäischen Höfen beeinflusst.

Die Barockmode lässt sich in drei Hauptstile einteilen:

Der spanischen Mode der Renaissance folgte um 1620–1650 eine vor allem von den Niederlanden und Flandern aus beeinflusste Mode. Sie erscheint als eine Gegenbewegung zur extremen Steifheit und Künstlichkeit der spanischen Mode: Halskrausen werden durch ausladende Spitzenkragen abgelöst, die engen Hosen mit Schamkapsel durch weite Kniehosen, die den Busen verleugnenden, hochgeschlossenen Oberteile durch Dekolletés , und der Rock, der zuvor faltenlos über den Verdugado drapiert worden war, durfte nun frei fallen. Typisch für die niederländische Mode sind breitkrempige Hüte und die Dominanz von Schwarz und anderen dunklen, gedeckten Farben.

In den 1660er Jahren wird eine weitere deutliche Änderung spürbar. Die Hosen der Männer wurden immer weiter, fast hosenrockartig, während das Wams kürzer wurde und viel vom Hemd sehen ließ ( Rheingrafen-Mode ). Zunächst trug man darüber einen weiten, rund geschnittenen Überwurfmantel; später setzte sich der Kasack durch, der jackenartige Herrenrock . Dazu trugen die Männer lange, offene Haare. Die Kleider der Frauen werden schlichter: Zum bodenlangen Rock ohne Überrock wird ein eng anliegendes, versteiftes Mieder mit breitem, fast schulterfreiem Ausschnitt und Dreiviertelärmeln getragen. Das Dekolleté wird häufig von einer breiten Borte aus Nadelspitze umrahmt. Die typische Frisur hierzu ist der Hurluberlu mit zu beiden Seiten des Gesichts gehäuften Locken.

In den 1680er Jahren setzte sich bei den Männern jene Anzugform durch, die auch das gesamte 18. Jahrhundert bestimmen wird. Das Justaucorps (frz.: eng am Körper) bestand aus Weste und engerer Kniehose, auf dem Kopf wird die Allongeperücke und der Dreispitz getragen, dessen Hutkrempe an drei Seiten hochgeschlagen ist.

Bei Frauen kommt eine neue Kleiderform in Mode, die ebenfalls fast bis zum Ende des 18. Jahrhunderts nachwirkt. Das Manteau , ein mantelartig vorn offenes Überkleid, wird zu einem farblich passenden Rock und Stecker getragen. Der Rock des Überkleides hat meist eine Schleppe und ist nach hinten gerafft. Die schmale Silhouette wird durch die zugehörige Frisur mit hoher Haube, die Fontange , noch betont.

Auch die „liturgische Mode“ der römisch-katholischen Kirche wurde im Barock maßgeblich geprägt. Die wohl bekanntesten und wertvollsten Stücke an Kaseln , Dalmatiken, Pluvialen und Mitren stammen aus der Zeit. Einen besonderen Einfluss des Barock erfuhr die Kasel, welche zur sogenannten „Bassgeige“ (auch römische Kasel genannt) wurde. Bedingt durch schwere Brokatstoffe, teilweise vereint mit wertvollster Hochstickerei , musste der gotische Schnitt der Kasel durch die mangelhafte Flexibilität der Stoffe immer mehr zurückgenommen werden, bis sie nur noch Rücken bzw. Brust und Bauch des Priesters bedeckte. Die geschwungenen Ausschnitte an der Vorderseite für eine weitere Bewegungserleichterung des Priesters am Altar gaben der Barockkasel oder Bassgeige schließlich ihren Spitznamen.

Kunstgeschichtliche Wertung

Wie der Begriff der Gotik lange Zeit für rohe germanische Kunst und der des Manierismus für schlechte maniera – eine überdrehte Präsentation der erfolgreichen Meisterung maltechnischer Schwierigkeiten – stand, so wurde auch der Barockbegriff lange abwertend benutzt, bevor er sich als Epochenbegriff für eine von der Renaissance unterschiedene Periode durchsetzte.

Italien

Francesco Milizia und Allessandro Pompei ( Verona 1705–1772) wie auch die unter französischem Einfluss stehenden, sich vom „römischen Stil“ abgrenzenden piemontesischen Architekten hatten die originellen Regelverstöße gegen die klassizistischen Normen der Formung architektonischer Glieder, die errori und abusi (Fehler und Missbräuche) seit den Bizarrerien Michelangelos scharf verurteilt. [48] Milizia schrieb von den follie Borrominesche („Borromineske Tollheiten“), die er mit Borrominis Suizid verband und warnend als ansteckend beschrieb. [49] Auch in der Literatur(kritik) setzte bald eine starke klassizistische Gegenbewegung gegen die barocken Übertreibungen des Marinismus ein.

Frankreich

Bereits zu Beginn des 18. Jahrhunderts machte sich in Frankreich erste Kritik an der barocken regelgeleiteten Kunstproduktion geltend, zuerst in den auf den Geist der Aufklärung verweisenden Réflexions critiques sur la poésie et sur la peinture „(Kritische Betrachtungen über die Poesie und Malerei“) (1719) des Abbé Dubos . Kunst solle vor allem gefallen und Vergnügen bereiten; dafür gebe es keine einheitlichen Regeln, vielmehr sei das Urteil über Kunst vom Betrachter abhängig.

Auch fanden die „Übertreibungen“ des italienischen Architekturstils wenig Freunde in Frankreich. Schon Berninis Fassadenentwürfe für den Louvre galten am französischen Hof als zu italienisch. [50] Zwar wurden das Adjektiv baroque und das Substantiv le baroque durch Quatremère de Quincy erstmals im Sinne einer Verfeinerung der Architektur definiert; zugleich galten der barocke Stil aber als Ausdruck eines bizarren Missbrauchs, als exzessive und lächerliche Übersteigerung ihrer Formelemente. Borrominis und auch Berninis Werke seien dafür Beispiele. [51] Damit entwickelt Quincy eine (wenngleich abwertende) Vorstufe eines Stilbegriffs des Barock. Auch die Ästhetik Sainte-Beuves blieb dem klassizistischen Wertungssystem verbunden. [52] Der französische Barock galt allenfalls als préclassique . Diese Betrachtungsweise wurde ansatzweise erst von Jules Michelet überwunden, dem eigentlichen „Entdecker“ des französischen Barock, der auf die wichtige Rolle des Zeitalters Henri Quatres für die französische Identitätsbildung verwies, [53] auch wenn er als überzeugter Calvinist gegen die jesuitische Gegenreformation polemisierte.

Endgültig wurde die Existenz eines französischen Barock in Frankreich jedoch erst anerkannt, als sich der auf die eigene klassische Epoche fokussierte Blick der französischen Kunstgeschichtler und Historiker auf ganz Europa ausweitete. Erst in den 1950er Jahren wurde der Barockbegriff in Frankreich im neutralen Sinne und nicht mehr nur als Synonym für Unregelmäßiges, Bizarres oder Extravagantes verwendet. [54]

Noch 1980 sprach Marc Fumaroli vom französischen Barock wie von einem Fremdkörper in der französischen Kultur und distanzierte sich von dem Terminus durch die Verwendung des deutschen Worts „Barockbegriff“, um seinen Ursprung zu kennzeichnen. [55]

Gilles Deleuze und Félix Guattari als Vertreter des französischen Poststrukturalismus beschreiben das Verhältnis von Klassik und Barock als eines von Ordnung und Chaos, zwischen denen sich keine klare Grenze ziehen lässt, also als eine Art von spannungsreicher Koexistenz, nicht als Nacheinander. [56]

Deutschland

In der Kunstbetrachtung wertete die seit Adam Friedrich Oeser und Winckelmann dominante deutsche klassizistische Schule den Barock als „überladen“ ab. Trotz seiner eigenen Wertschätzung für verschiedene hellenistische Kunstwerke, die dem barocken Stilempfinden nahestanden – so die Laokoon-Gruppe – galt Bernini Winckelmann geradezu als „Erzfeind“. [57] Dazu trug auch die seit Winckelmann in Deutschland spürbare Bevorzugung der griechisch-antiken gegenüber der römischen Tradition bei, was sich gegen die Rezeption des französischen Klassizismus in Deutschland richtete. Der Barock galt den vorwiegend protestantischen Kunsttheoretikern, -kritikern und -historikern als katholisch-„papistisch“, monarchistisch, autoritär, zu opulent und gegenreformatorisch.

Ähnliches gilt auch für die französische Literatur der Barockzeit. Schon der Frühaufklärer Johann Christoph Gottsched lehnte den französischen literarischen Klassizismus und sein kunsthandwerkliches Dichtungsverständnis als konstruiert und nicht originell ab. Er kritisierte aus rationalistischer Perspektive seit den 1730er Jahren die Werke Klopstocks und den barocken Schwulststil , in dem sich immer auch die französische Dominanz ausdrückte, als Verfallserscheinung und verglich diesen Stil mit dem des Hellenismus . [58] Noch radikaler wandte sich Lessing gegen die barocke Regelpoetik. In Corneilles Rodogune sah er den Gipfel der Unkunst und skizzierte in der Hamburgischen Dramaturgie die Voraussetzungen für ein neues bürgerliches Drama, das auf „Pomp und Majestät“ der Dramen Corneilles verzichten kann. [59] Sein „bürgerliches Trauerspiel“ Miss Sara Sampson leitete den Abschied vom Barock auf den deutschen Bühnen ein und bereitete dem Ideal der „Natürlichkeit“ den Weg.

Für Johann Georg Hamann als Vertreter des bereits auf die Romantik verweisenden christlich-mystischen Geniekults der Sturm-und-Drang -Epoche stand fest, dass der Künstler von Regeln befreit arbeiten müsse und die Tiefe des Gefühls als wichtigstes Kriterium für das künstlerische Schaffen zu gelten habe. Damit wandte er sich gegen die barocke Regelpoetik ebenso wie gegen den Rationalismus der Aufklärung. [60]

Goethe kritisiert die massige und überladene Barockarchitektur, [61] nutzte jedoch selbst barocke Lyrikformen.

Die Ablehnung alles Französischen, die die deutsche Romantik des 19. Jahrhunderts prägte, führte auch zu der distanzierten Formulierung im Deutschen Wörterbuch der Brüder Jacob und Wilhelm Grimm : „Barockisch soll das franz. baroque, bizarre unserer sprache bequemen (wie antikisch sp. 500, idealisch, theatralisch): der barockische schmuck vielfarbger muscheln.“ [62]

Allerdings gab es auch Gegentendenzen: So würdigte August Wilhelm Schlegel trotz seiner Kritik der Ästhetik des Zeitalters Ludwig XIV. die barocke Rhetorik. [63] Die deutsche literarische Romantik fühlte sich durchaus von der barocke Maschinen- und Uhrwerkmetaphorik – der Unterordnung des Ich unter eine geistlose Mechanik – angezogen; doch schlug sich dies eher in ihren Werken (z. B. mit glossierender Tendenz in Jean Pauls Die unsichtbare Loge , ETA Hoffmanns Der Sandmann , Der Elementargeist , Kleists Über das Marionettentheater ua) als in der kunst- und literaturkritischen Betrachtung der Zeit nieder. ETA Hoffmann begeisterte sich für das spanische Barocktheater und übersetzte die Stücke Calderóns .

Jacob Burckhardt wertete im Cicerone (1855) den Barock geradezu moralisch ab (als „übelverstandene Freiheit“, „Betrug“, „Prahlerei“, ja sogar als „krankhaft“), lobte jedoch die künstlerische „Freiheit“, die sich die barocken Künstler nahmen. Erst um 1875 gelangte zu einer neutraleren phänomenologisch-deskriptiven Bestimmung des Barock. [64]

Eine mehr theoretische Sichtweise auf das Phänomen Barock – immer noch gefärbt durch die Sicht des Protestantismus auf das Jahrhundert der Gegenreformation und durch seine Abneigung gegen das Theatralische und Illusionistische – entwickelte sich in den 1860er Jahren. Nietzsche erblickte wohl als erster die zahllosen Parallelen in Architektur, Skulptur, Literatur und Musik, obwohl dieser Gedanke damals in der Luft lag. Aphoristisch zugespitzt formuliert er: „Griechischer Dithyrambus ist Barockstil in der Dichtkunst“ [65] und übertrug damit den Barockbegriff auf die Literatur.

Nietzsche ging es nicht um die Einmaligkeit des Barockstils, sondern um eine gesetzliche Wiederkehr von Stilen, also um ein periodisch-überzeitliches Phänomen des „Abblühens“ einer Kultur, das immer eintritt, wenn eine klassische Periode ihre Ausdrucksmittel erschöpft hat und nicht mehr übertroffen werden kann: „(…) es hat von den griechischen Zeiten ab schon oftmals einen Barockstil gegeben, in der Poesie, Beredsamkeit, im Prosastile, in der Skulptur ebensowohl als bekanntermaßen in der Architektur“, der nicht abschätzig beurteilt werden sollte. [66] Die barocke Musik sei eine Art Gegenrenaissance , Ausdruck eines wenn auch dekadenten Stils, der jedes Mal beim Abblühen einer großen Kunst entsteht, eine Kunst von Künstlern „nur für Künstler“, nicht für Laien. Die Musik des späten 19. Jahrhunderts stellt er in einem nachgelassenen Entwurf 1888 in diese Tradition. [67] Er hat wohl immer auch die Musik Wagners im Blick, wenn er den Barock als zugleich ekstatisch und dekadent bestimmt. Seine Erwähnung des grausamen Humors, der Lust an hässlicher Verzerrung in Cervantes ' Don Quichote weist in eine ähnliche Richtung. [68] Die groteske oder hässliche Verzerrung ist auch für viele Werke der deutschen Barocklyrik wie für Grimmelshausens „Simplicissimus Teutsch“ (und dessen Frontispiz, siehe die Abbildung oben) typisch. [69]

Ulrich von Wilamowitz-Moellendorff spricht kurze Zeit später (1881) von einer „Barockzeit“ der hellenistischen Kultur und der römischen Kaiserzeit (hier vor allem der kaiserzeitlichen römischen Literatur). [70]

Im Sinne einer Abfolge von frühen Formen, Blüte und Abblühen künstlerischer Autonomie konstruiert 70 Jahre später auch Arnold Hauser eine Sequenz von der zweckgebundenen (kirchlichen) Kunst des Mittelalters über eine frühbürgerlich-handwerkliche Entwicklungsphase des Quattrocento [71] zur autonom-geniebetonten Kunst der Hochrenaissance mit aristokratischen Zügen über die individualisiert-hochartistische Phase des Manierismus mit seinen immer spezialisierteren Künsten [72] hin zu einer wiederum zweckgerichtet-gegenreformatorische Barockphase mit ihrer schematisierten allgemeinverständlichen Ikonographie , in der die Kunst ihre spontanen, subjektivistischen Züge verliert. [73]

Die Gefahr einer von der Epoche abgelösten rein stilistischen Betrachtungsweise besteht in der Inflationierung des Barockbegriffs, wodurch die Strukturmerkmale barocker Architektur bspw. auch auf die Dramen Shakespeares übertragen wurden. Aber auch die Überdehnung eines epochengeschichtlichen Begriffs durch Übertragung auf alle möglichen künstlerischen Sphären einer Epoche trägt der Ungleichzeitigkeit der Entwicklung von je besonderen Stilmerkmalen der einzelnen Künste nicht hinreichend Rechnung.

Heinrich Wölfflin , von dem wir nicht wissen, ob er Nietzsche gelesen hat, entwickelte eine psychologisch begründete Theorie des Stilwandels und seiner Ursachen, [74] die er in der „Abstumpfung“ gegenüber den Formen der Renaissance erblickt. Jeder Stil sei Ausdruck seiner Zeit, er nutze sich ab und wandle sich mit den Wandlungen der menschlichen Emotionen. Wölfflin strebte eine vergleichende Stilanalyse an, die frei von Wertungen sein sollte; er entwickelte aus dem deskriptiven Epochenbegriff einen Stilbegriff des Barock als künstlerisches Grundmuster. Dabei verzichtete er auf die früher verwendeten Attribute wie „überladen“ und „gekünstelt“ und führte den Formwandel auf eine psychische Disposition zurück, die die Welt als Verfallsprodukt ansieht und sich durch „Berauschung“ und „Ekstase“ sowie durch eine neue Vorstellung von Körperlichkeit auszeichne. [75] Diese drücke sich in einer veränderten Morphologie der Baukörper und bildlichen Darstellungen aus: Die lineare Darstellung weiche einer malerischen, die geschlossene Form der offenen, [76] die Fläche der Tiefe, die Durchgliederung der (Bild- usw.)-Komponenten ihrer Verschmelzung. [77] Greifbarkeit wird durch Unklarheit und Unergründlichkeit [78] ersetzt, Endlichkeit durch Unbegrenztheit. [79] Weitere Elemente seien Masse, [80] Monumentalität, [81] Ornament und Bewegung. [82] Letztlich betrachtete Wölfflin die stärker in sich ruhende Renaissancekunst immer noch als die überlegene. [83] Möglicherweise geschah das bereits unter dem Einfluss des auf imperial-repräsentativen Schein hin angelegten Neobarock , der sich Ende des 19. Jahrhunderts rasch verbreitete.

In dieser auf einzelne Stilelemente fokussierten Betrachtungsweise ist auch der Impressionismus mit seiner Auflösung der klaren Konturen ein gewissermaßen barockes Phänomen, dessen Studium Wölfflin offenbar zur Entwicklung seiner Theorie geführt hat. [84] Ebenso können damit viele Aspekte der postmodernen Architektur als „barock“ identifiziert werden. [85]

Gegen die Betrachtung der Barockepoche als Einheit und die Annahme der Einheit aller Künste wandten sich um die Wende des 20. Jahrhunderts insbesondere Musiktheoretiker wie Hugo Riemann , der die Musikgeschichte als Stilgeschichte konzipierte. Für ihn hieß der „barocke“ Stil „Musik des Generalbasszeitalters “.

Seit Wölfflin wird die Welt des Barock oft antithetisch definiert: Die objektive Welt sei zerbrochen und aufgelöst, die reine Subjektivität käme dadurch verstärkt zur Geltung (auch wenn Wölfflin den Gegensatz zur Renaissance vielleicht überzeichnet hat). [86] Kennzeichen dieser barocken Welt seien Todesfurcht und Sinnenfreude, mathematische Berechenbarkeit der Welt und Illusionismus. Die ungezügelte Subjektivität werde im Barock jedoch durch den Zwang zur Einhaltung von festen (Kompositions- usw.)-Regeln domestiziert, dadurch herrsche das Handwerklich-Mechanische in der Kunst vor.

Walter Benjamin sieht in den Exzentrizitäten des barocken Dramas, in seiner allegorisch-monumentalen Darstellungsweise, Melancholie und antithetischen Struktur der dauernden Spannung zwischen Diesseits und Jenseits den Beginn der Moderne. [87]

Österreich

In Österreich gelangte zuerst Albert Ilg um 1870 zu einer Neubewertung des Barock (bei ihm ein feminines Wort: die „Barocke“), [88] dessen Stilelemente beim Wiener Kaiserhof und beim Hochadel nie unpopulär geworden waren (angeblich auch aus Sparsamkeitsgründen, um sich nicht dauernd neuen Stilmoden anpassen zu müssen); dennoch spricht Ilg noch von „Zopfstil“ und „verwilderter Epoche“.

Alois Riegl entwickelte die Wöfflinsche Theorie weiter, der es seiner Meinung nach an einer Begründung für ihre zwingende innere Entwicklung mangelte. [89] Er führte die Stilwandlungen nicht mehr auf externe Wirkungsfaktoren zurück, sondern auf die Notwendigkeiten der künstlerischen Produktion, was er am Beispiel der Ornamentik verdeutlichte. Er teilt auch nicht die Verfalls- und Dekadenztheorien und die Unterscheidung zwischen ernsthafter Kunst und dekorativem Kunsthandwerk. Vielmehr gelangt er zu einer Ehrenrettung des Barock (und der römischen Spätantike ), indem er die Frage nach der Kontinuität und der inneren Entwicklungsdynamik der Künste in den Vordergrund stellt.

England

Einen durchgängigen barocken Epochenstil gab es im puritanischen England nicht. Hier herrschten nicht Gegenreformation und Mystik, sondern Voraufklärung und Rationalismus, auch wenn sich deren Vertreter wie John Milton teils barocker literarischer Formen bedienten. [90] 1642 erließen die Roundheads sogar ein Theaterverbot. Die englische Kunstgeschichtsschreibung tendierte in der Folge dazu, die Epoche der Renaissance bis weit ins 17. Jahrhundert auszudehnen und den palladianischen Klassizismus direkt daran anzuschließen.

Spanien, Portugal, Lateinamerika

Die deutschen Barocktheorien führten zu einer Neubewertung des Phänomens auch in anderen Ländern. So wurden sie durch Walter Benjamin und Ortega y Gasset im spanisch- und portugiesischsprachigen Raum bekannt.

In Spanien wurden Wölfflins Schriften vor allem durch die Übersetzungen des Dichters und surrealistischen Malers José Moreno Villa verbreitet. Wölfflins Theorien wurden durch den Ortega-Schüler José Antonio Maravall (1911–1986) aufgegriffen, der in der Bewegung das tragende ästhetische Prinzip im Werk Velázquez' wie das wichtigste Prinzip des barocken Zeitalters und der Moderne überhaupt sah. [91]

„Maya-Barock“: Gebäudedetail am sogenannten Nonnenkloster in Uxmal (ca. 9. Jahrhundert)
Barocke Klosterkirche São Francisco in Salvador (Bahia) , Brasilien (erbaut 1686–1755)

Von der Kunst- und Literaturgeschichtsschreibung wurde der lateinamerikanische Barock zunächst als vergröberte Adaption spanischer Vorlagen, später jedoch als ästhetische Ausdrucksform der Vermischung von Kulturen betrachtet, so von Alejo Carpentier . [92] Der Neue-Welt-Barock ( Barroco de Indias ) erschien als Resultat einer „Mestizisierung“; nicht zuletzt die stilistischen Ähnlichkeiten zwischen dem europäischen und dem sogenannten „ Maya -Barock“ [93] (vor allem dem Puuc -Stil von Uxmal ), der dem mystischen Dialog zwischen Menschen und Göttern elaborierte architektonische Formen verlieh, luden dazu ein.

Nachdem die Blütephase des Magischen Realismus vorüber war, neigt die Literaturkritik dazu, im Barroco de Indias einen eigenen Kommunikationscode zu sehen, der das zunehmende Selbstbewusstsein der bürgerlichen kreolischen Schichten gegenüber der repressiven weltlichen und geistlichen Hierarchie unter der Maske des konventionellen Formenkanons anzeigt, so im Werk des Peruaners Juan de Espinosa Medrano (ca. 1629–1688), des „amerikanischen Tertullian “, oder der mexikanischen Ordensfrau Juana Inés de la Cruz . An die Stelle der autoritären klerikalen und administrativen Hierarchie tritt erst in der Folgezeit eine kreolische „Pigmentokratie“, die sich diesen Code aneignet und ihn als Zeichen ihrer Bildung nutzt.

Der lateinamerikanische literarische Neobarock des 20. Jahrhunderts stellt die europäische Aufklärung und den Realismus in Frage; er experimentiert mit neuen Formen und unternimmt den Versuch einer kulturpolitischen Definition einer „anderen“ barocken Identität Lateinamerikas in Abgrenzung von Europa. Merkmale dieses „anderen“ Barock sind Bildlichkeit, Fragmentierung und Transkulturation durch Re-Mythisierung und eine performative Sprache, die körperliche Gefühle und Affekte hervorbringt. Dabei ergeben sich Parallelen zum Jesuitentheater . Es sollen nicht zuerst Allegorien enträtselt werden (wie ja auch das lateinische Jesuitendrama unübersetzt blieb); vielmehr soll man der Bewegung der Figuren folgen. Beispiele sind das brasilianische Teatro negro oder die Volkstheaterstücke und Romane von Ariano Suassuna . [94]

Gegenwart

Zahlreiche moderne Schriftsteller und Literaturhistoriker erkennen heute Parallelen oder Kontinuitäten zwischen dem 17. Jahrhundert und der heutigen Zeit in Bezug auf existenzielle Probleme, was das Interesse an der Barockzeit und ihrer Literatur steigen lässt. [95]

Auch die mechanistische Weltsicht des Barock und seine Maschinenmetaphorik machen ihn im Computerzeitalter zu einem wichtigen Gegenstand literaturhistorischer und -soziologischer Betrachtung. [96]

Weitere Formen des Barock

Mit ironischer Konnotation

Literatur

nach Autoren alphabetisch geordnet

Weblinks

Commons : Barockkunst – Sammlung von Bildern, Videos und Audiodateien
Wiktionary: Barock – Bedeutungserklärungen, Wortherkunft, Synonyme, Übersetzungen

Einzelnachweise

  1. "Barock", in: Lexikon der Kunst, Bd. 2 , Karl Müller Verlag, Erlangen 1994, S. 7–24, hier S. 7
  2. "Barock", in: Lexikon der Kunst, Bd. 2 , Karl Müller Verlag, Erlangen 1994, S. 7–24, hier S. 9
  3. "Barock", in: Lexikon der Kunst, Bd. 2 , Karl Müller Verlag, Erlangen 1994, S. 7–24, hier S. 9
  4. "Barock", in: Lexikon der Kunst, Bd. 2 , Karl Müller Verlag, Erlangen 1994, S. 7–24, hier S. 7
  5. "Barock", in: Lexikon der Kunst, Bd. 2 , Karl Müller Verlag, Erlangen 1994, S. 7–24, hier S. 9
  6. José Antonio Maravall: Culture of the baroque: analysis of a historical structure . Manchester University Press, Manchester 1986, ISBN 0-7190-1912-5 .
  7. Ofer Gal: Baroque Modes and the Production of Knowledge. Introduction: The Great Opposition . In: Ofer Gal, Raz Chen-Morris (Hrsg.): Science in the age of Baroque . Springer, Dordrecht / New York 2013, ISBN 978-94-007-4807-1 , S.   1–10 .
  8. "Barock", in: Lexikon der Kunst, Bd. 2 , Karl Müller Verlag, Erlangen 1994, S. 7–24, hier S. 7
  9. Gerhart Hoffmeister: Deutsche und europäische Barockliteratur. Stuttgart 1987, S. 2.
  10. So Alois Riegl; vgl. Wilhelm Emrich: Deutsche Literatur der Barockzeit. Königstein/Ts. 1981, S. 14 f.
  11. "Barock", in: Lexikon der Kunst, Bd. 2 , Karl Müller Verlag, Erlangen 1994, S. 7–24, hier S. 7
  12. Artikel „Barock“ in: Etymologisches Wörterbuch des Deutschen, Band 1, Berlin 1993.
  13. Heinz Duchhardt: Barock und Aufklärung. München 2007, ISBN 978-3-486-49744-1 .
  14. Siehe z. B. Wolfgang Kostujak: Von der „Nachahmung der Natur“ zur „künstlichen Logick“: Lorenz Christoph Mizlers „General-Bass-Maschine“. Deutschlandradio Kultur, 5. August 2014 deutschlandradiokultur.de
  15. Wilhelm Perpeet: Das Sein der Kunst und die kunstphilosophische Methode. München 1970, S. 33.
  16. Koch 2014, S. 325 ff.
  17. "Höfische Feste", in : Reinhard Bentmann & Heinrich Lickes: Europäische Paläste , Ebeling Verlag, Wiesbaden, 1977, S. 17–30, hier: S. 17
  18. "Höfische Feste", in : Reinhard Bentmann & Heinrich Lickes: Europäische Paläste , Ebeling Verlag, Wiesbaden, 1977, S. 17–30, hier: S. 18
  19. Ausführliche Beschreibung der Hochzeitsfeierlichkeiten in: Dirk Van der Cruysse: Madame sein ist ein ellendes Handwerck. Liselotte von der Pfalz. Eine deutsche Prinzessin am Hof des Sonnenkönigs. Aus dem Französischen von Inge Leipold. 7. Auflage, Piper, München 2001, S. 23–29 (Nur die Reise mit Empfängen: S. 26–29)
  20. "Höfische Feste", in : Reinhard Bentmann & Heinrich Lickes: Europäische Paläste , Ebeling Verlag, Wiesbaden, 1977, S. 17–30, hier: S. 18
  21. "Höfische Feste", in : Reinhard Bentmann & Heinrich Lickes: Europäische Paläste , Ebeling Verlag, Wiesbaden, 1977, S. 17–30, hier: S. 18
  22. "Höfische Feste", in : Reinhard Bentmann & Heinrich Lickes: Europäische Paläste , Ebeling Verlag, Wiesbaden, 1977, S. 17–30, hier: S. 18
  23. Er hatte ua versucht, sich an die Maitresse des Königs, Louise de La Vallière , heranzumachen. Gilette Ziegler: Der Hof Ludwigs XIV. in Augenzeugenberichten . Rauch, Düsseldorf 1964, S. 40.
  24. Gilette Ziegler: Der Hof Ludwigs XIV. in Augenzeugenberichten . Rauch, Düsseldorf 1964, S. 34–37, hier: 35.
  25. Gilette Ziegler: Der Hof Ludwigs XIV. in Augenzeugenberichten . Rauch, Düsseldorf 1964, S. 36–37.
  26. Gilette Ziegler: Der Hof Ludwigs XIV. in Augenzeugenberichten . Rauch, Düsseldorf 1964, S. 35–36.
  27. Gilette Ziegler: Der Hof Ludwigs XIV. in Augenzeugenberichten . Rauch, Düsseldorf 1964, S. 35–36.
  28. Gilette Ziegler: Der Hof Ludwigs XIV. in Augenzeugenberichten . Rauch, Düsseldorf 1964, S. 58.
  29. Gilette Ziegler: Der Hof Ludwigs XIV. in Augenzeugenberichten . Rauch, Düsseldorf 1964, S. 58.
  30. Zitat von Félibien des Avaux , dem Geschichtsschreiber Ludwigs XIV. Gilette Ziegler: Der Hof Ludwigs XIV. in Augenzeugenberichten . Rauch, Düsseldorf 1964, S. 58.
  31. "Der Wettstreit von Luft und Wasser"
  32. Franz Endler: Wien im Barock , Carl Ueberreuter Verlag, Wien-Heidelberg, 1979, S. 14–16
  33. Lorenz Duftschmid & Elisabeth Kurz: Textbuch der CD: Johann Heinrich Schmelzer - La Margarita , Armonico Tributo Austria , Lorenz Duftschmid , Arcana 1996, S. 10 (und CD, Track 1: "Balletto a cavallo", 1667).
  34. Franz Endler: Wien im Barock , Carl Ueberreuter Verlag, Wien-Heidelberg, 1979, S. 10–14, hier: S. 10
  35. Franz Endler: Wien im Barock , Carl Ueberreuter Verlag, Wien-Heidelberg, 1979, S. 10–14, hier: S. 14
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  38. Walther Siegmund-Schultze: Händel, VEB Deutscher Verlag für Musik in Leipzig, 1980, S. 155–156
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